Archive for the ‘ Abstrakt ’ Category

Interview with ANTHONY GERACE (project Fig. 1-99)

Anthony Gerace, visual artist and photographer, wrote me an email couple of days ago and I had the chance to take a closer look on his work.

I am especially interested in his work series „Fig. 1-99“, hundred colour studies on paper sourced from 60s, 70s magazines such as Life, Playboy, Time, Popular Mechanics etc.

I enjoy this fragmentation of colour and combination of forms. The collage pieces definied by their outlines appear as abstract forms with words/letters giving away their identity – their combination only predicted by their specific colour chosen from the magazines.
And still, there is enough space to bring those pieces to life; at one point, you start to recognize those stripped motives seeing contours of women, hands, breasts,… some appear more vivid, others less. At the end it’s all about the uniqueness of a single piece.

I asked Anthony some questions to know more about him and his work. Enjoy the interview.

artpjf: Please introduce yourself briefly.

Anthony Gerace: My name is Anthony Gerace, I’m a photographer and collage artist based in London. I moved here recently to pursue work in graphic design, but for the past ten years have lived in Toronto.

artpjf: I am especially interested in your work series „Fig. 1-99“ – hundred colour studies on paper sourced from 60s, 70s magazines. The collages don’t seem specifically arranged. How do you know when to come to an end? What role does coincidence play in your work?

A.G.: I conceived the series, near the beginning, as having a defined ending (100 was always the goal). But within that, while there was no specific arrangement to speak of, there were certain instances where pairings or runs of images were important. Especially in the centre of the series, where Fig. 50 is split in two to show the potential (and main point, really) of the project: that each piece was unique not only in composition but also in tonality, and that even if I kept an obvious visual cue (the „and the“ typography) it would still result in a very different piece just on accounts of the paper. There were also certain pieces that were made with the intention of going in certain places in the series: though I made „Fig. 99“ long before I finished, I knew it was going to be the final image, mainly because I think it sums things up well. Likewise, there was always meant to be more and more multi-coloured studies as the series went along. Though I always found these less satisfying. So while I didn’t know how the entirety would look, I did know what it would be.

artpjf: As a graphic designer does your commercial practice influence your art practice? Do you separate those practices? Or is it just „the same“?

A.G.: I’d say both practices influence each other. For a long time I tried to integrate my collage work into my graphic design, but as I thought about it more I realized that that had the side effect of cheapening the collages and making them look more like process than their own entity. I do think that the methodologies of both practices have influenced one another for the better: when designing, I can’t help seeing myself as collaging, just not collaging paper and doing it digitally, while, when making collages, the implications of typography and tone factor in more because of how my design education has influenced me. They’re definitely not the same, and I do keep them separate, but I don’t think they’d exist without each other.

artpjf: Upcoming projects?
A.G.: I have quite a few projects on the go at the moment! I’m in the last stages of a series called „People Living“ which is a return to more traditionally figure based collage. I started that one when I was still working on the colour studies, and it acted as much as a foil to that work as it did it’s own thing. I’m also working on two new projects, both of which are untitled and both of which are continuing some of the more abstract work I’ve been doing and are the next step out from the colour studies. And I just started a body of work that I’m calling „There Must Be More to Life Than This“, which is a series of frustratingly intricate grid collages. I think there’ll end up being a hundred of them at varying sizes. And as always the portraits are a constant. I’m really excited to be able to make work, and to keep doing this and find people interested. It’s the best feeling.
artpjf: Thank you, Anthony!

Some other collages I appreciate too…

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In the last days I was looking for some art to completely jump into it, feel the immersion and leave all (sometimes stupid and senseless) words and theory behind, to which I’m surrounded on almost daily basis. I found this beautiful piece of art from french media artist David Letellier called „Caten“. Unfortunately I haven’t seen it in real life, but it amazed me straight away. You can find the description of the artwork on his website and have a look at his other works which are absolutely worth seeing/understanding.

Created for the Saint Sauveur chapel in Caen, Caten is a levitating sculpture, determined by gravity and guiding the evolution of a sound composition.
300 fine wires suspended from two ropes, connected themselves at each end to a slowly rotating arm, form an evanescent surface which interacts with the architecture.
By a symbolic mirror effect, the curves of the wires, created by the gravitational force, reflect the shapes of the church arches. Caten opposes the ephemeral to the eternal, the movement to the static, and produce a tension between the lightness and the millenary stability of the space.
The sound composition is inspired by the medieval solmisation prayers, especially the first verse of „Ut Queant Laxis“, also known as the „hymn to St John the Baptist“, used in the eleventh century to determine the names of the notes of the scale used in latin countries.
At each turn, the engines emit one of the first 4 notes of the scale (Ut, Re, Mi, Fa), creating a sequence of intervals, constantly reconfigured. Low frequencies resonate in the space and emphazise the transcendental character of a place once dedicated to faith.
The name is derived from the term catenary, which describes the plane curve formed by a rope hanging between two points.

XL Kunst in XS Monaco

Das Grimaldi Forum, das Kulturzentrum Monacos, zeigt diesen Sommer in Kooperation mit dem Centre Pompidou die Ausstellung „Extra Large“. Ausgestellt werden vor allem großformatige, monumentale Werke aus der zeitgenössischen und modernen Kunstsammlung des berühmten Pariser Museums. Bekannte Künstlerpersönlichkeiten wie Joan Miró, Jean Dubuffet, Pierre Soulages, Frank Stella, Sam Fancis oder Yan Pei-Ming werden im Konzept der Monumentalität mit ihren XL-formatigen Gemälden präsentiert. Neben den zweidimensionalen Werken enthält die Ausstellung vor allem raumgreifende Skulpturen und Installationen u.a. von Joseph Beuys, Christian Boltanski, Daniel Buren, Sol LeWitt, Anish Kapoor und Bill Viola – insgesamt 4000 m² für 40 Werke.



her ARTic impression:

Grob gesagt beinhaltet das Ausstellungskonzept XL Werke (und Künstler, im Sinne ihres Bekanntheitsgrades) in XS Monaco zu präsentieren. Monaco ohne Luxus und Spektakel vorstellbar? Mais bien sûr que non!

Es hat mich besonders gefreut all diese, im Raum wohl rhythmisierte, Kunst von so bekannten Namen des 20. Jh. zu sehen, und das gleich alles auf einem Haufen – das letzte Mal hatte ich dieses Vergnügen… oh… ja… im Centre Pompidou!

Der Charakter einer Überblicksausstellung dominierte, kritische Gehirnmasse Fehlanzeige – nicht seitens der Werke selbst, sondern seitens des Ausstellungskonzeptes. Kind of Notorious Big – mais quand même, bravo et merci Monaco – die Kunst war ein genussvoller Augenschmaus.


Fotos: &

CARL BURGESS – Tales of the Unexpected

„Tales of the Unexpected“ ist eine einminütige Videoanimation von Carl Burgess.

Ein morphendes Geschöpf, angefangen als primordialer grauer Kreis, verflechtet sich in eine scheinbare unendliche Abfolge von Texturen. Die Wandlungen sind durch die Schnelligkeit der Bewegung kaum greifbar – Farben und Ausformungen korrespondieren, wenn überhaupt, mit dem minimalistischen Sound. Die Mitte bildet ein fluorenszenter Kern, dessen wandelnde glitschig-gummi-artige Haut kryptischen Gesetzen folgt. Am Ende zieht sich die Haut wieder zusammen und verschwindet ganz. Ein schönes Augenspiel.

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via File Electronic Language International Festival.

TOM FRENCH – Skull/Cowboy Balance

1982 geboren, wuchs Tom French in Newcastle Upon Tyne, North East England auf. Tom begann sein Studium an der Newcastle School of Art and Design und erhielt sein BA 2005 in Sheffield Institute of Art and Design.

Seine Werke sind überwiegend figurativ. Er kombiniert sorgfältig  detaillierten Fotorealismus mit starken Elementen der Abstraktion und dem Surrealismus, konzentiert auf eine Reflexion des Bewussten und Unbewussten.

French kombiniert dichte, klassische Kohlezeichnung mit lockeren, scheinbar unvollendeten abstrakten Formen.

Durch die Fusion der technischen und lebendigen Abstraktion bringt French Leben und Bewegung in seinen Kompositionen. Sein Werk verschmilzt akademisches Handwerk mit zeitgenössischen urbanen Realismus.

Seine neusten Werke umfassen Cowboy Balance und eine Serie von fusionierenden Totenschädeln. Mehr dazu auf

LISA SANDITZ – color and shape is fickle

Die Gemälde-Serie „Stateside“ befasst sich mit unterschiedlichen Szenerien der amerikanischen Landschaft und dem dortherrschenden kulturellen sowie ökonomischen Zustand. Nach drei Jahren kreativen Schaffenprozesses in industriellen Städten Chinas suchte die Künstlerin nach expressiven global-ökonomischen Phänomenen in der Umwelt. „Sock City“ zeigt dabei die auf Konsum basierende Beziehung zwischen China und den USA und dessen Auswirkung auf die Landschaftskomposition.

Lisa Sanditz‚ Gemälde sind voller schillernder Form- und Farbgebung. Das Betrachten der Landschaften erscheint wie ein Spiel ohne Regeln. Angedeutete Motive rhythmisieren in einer prachtvollen Farbatmosphäre. Eine Welt für sich.

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Die Ausstellung „Reise nach Jerusalem“ zeigt überarbeitete Fotografien des Künstlers Alexander Jakhnagiev in Mischtechnik mit Malerei.
Während seines Aufenthaltes in Jerusalem versuchte Jakhnagiev besonders eindrucksvolle Augenblicke und Stereotype der hochspirituellen Stadt festzuhalten. Ihn beeindruckte vor allem das dichte Zusammenleben drei verschiedener Religionen, Menschen christlichen, orthodoxen und jüdischen Glaubens. Einzelne Fotografien wirken stilistisch allmählich wie Urlaubsfotos. Er fotografierte die Kultur der Stadt, seine Architektur, die Menschen, das Essen, und setzte sich sogar selbst in Szene. Im Gegensatz und gleichzeitig in Symbosie zu den Fotografien steht eine malerische farbig, expressive Akzentuierung. Jakhnagiev, besonders im Bereich der Malerei tätig, präsentiert in der Ausstellung auch einige Werke ohne fotografischen Elemente.

her ARTic impression: 

Alles in allem ein gelungener Versuch für einen Maler sich im Gebiet der Photomontage zu bewegen. Bedingt durch die schwarz-weiße Dekoration war es leider nicht möglich die Autonomie des Bildes hervorzuheben. Eine stäkere Betonung hätten die Werke in einer schlichteren Umgebung gefunden.


Winston Chmielinski dekodiert die Sprache der körperlichen Präsentation. Er verbindet einzelne Fragmente der Figur, führt sie durch Ecken und Rundungen in einem neuen surrealen, ineinanderverschmelzenden Kontext. Dabei birgen die Collagen einen flüßigen und beweglichen Moment in sich, als würde der Künstler das Zeitintervall eines morphischen Vorgangs festhalten. Ausschnitte aus Modemagazinen sind vor allem bei seinen neuesten Werken Teil seiner Materialverwendung. Der Ablauf des Verschmelzens ist besonders bei seinen Malerein deutlich. Hier sind ist diese Verflüßigung stärker sichtbar; Farben und Formen greifen ineinander. Der klar erkennbare gesamte Körper entzieht sich seiner Autonomie. Gesichtspartien verleihen den Figuren einen eigentümlichen Charakter. Die Darstellung eines Wandels, das Schaffen eines neuen Moments wird in den Vordergrund gestellt. Winston Chmielinksi hat bereits in Paris, Berlin, Miami und New York ausgestellt. Mehr auf

LEAH DIXON – Bomb Collage

Leah Dixon’s Mixed-Media Collagen untersuchen die erschreckenden Aspekte unserer Realität. Dixon findet sich selbst  ständig konfrontiert mit medialen Kriegsreportagen. Die Ablehnung der wörtlichen Erzählung zieht sie zu ihrer Faszination für Geometrie und Detonation.  „Durch die Verherrlichung der Schönheit einer Explosion, entferne ich mich von dem absoluten Horror der Zerstörung.“ Jedes Gemälde besteht aus unzähligen Fragmenten die sie behutsam zusammenfügt im Konzept einer Explosionswirkung. Dabei defragmentiert sie Seiten des National Geographic oder ArtForum Magazine. Leah Dixon lebt und arbeitet in New York. Mehr auf und

Leah Dixonʼs intricately collaged mixed-media paintings bravely investigate the frightening aspects of our reality. Finding herself constantly confronted with media coverage war, Dixon uses her love construction to depict the most tangible evidence of an act of destruction – the bomb. Rejecting the literal or narrative, she draws on her fascination with geometry to break-down and build-up the concept of detonation. Pages torn from recent issues of ArtForum and National Geographic Magazine are carefully sliced into tiles of abbreviated color and imagery, then paneled and layered into strips of abstraction.

While Dixonʼs creative process is itself a quietly meditative act, these hours of meticulous craft culminate in the visual detonation of a loud and destructive force. (source:

OLEG DOU – Tears

Oleg Dou ist Künstler aus Russland. Seine mittels Bildbearbeitungsprogramm kreierten Fotografien zeigen Portraits in Zwischenebene des Hässlichen und Schönen.

Oleg Dou wuchs in einer Künstlerfamilie auf und faszinierte sich für Renaissance Portraits. Aus einer Begeisterung für surrealistische teils pervertierte Gesichtsdarstellungen entwickelte sich die Intention zur Eigenkreation. Dou greift stereotypische Darstellungsformen auf und bringt sie in einem neuen, komplexeren Kontext, sodass der Betrachter mit demonstrativ unnatürlichen Portraiteigenschaften konfrontiert wird.

Solo-show @RTR gallery, Paris vom 23. Februar bis 9. April und @Espace-art22, Brussels vom 25. März bis 24. April.

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