Archive for the ‘ Ausstellung ’ Category

PERFEKT WORLD „Jesus Christ Super Sale“ @ PERFEKT BOX, MQ

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„The present age prefers the sign to the thing signified, the copy to the original, fancy to reality, the appearance to the essence… for in these days illusion only is sacred, truth profane.“ – Ludwig Andreas Feuerbach

In time for the final stretch of the Christmas shopping madness PERFEKT WORLD put on their first group exhibition in their new contemporary space PERFEKT BOX at the MQ in Vienna.

An exhibition, a Christmas market, a holy spirited special offer – „Jesus Christ Super Sale“ is an examination of the cultural and commercial phenomenon of Christmas and how it has gone from religious tradition to a celebration of commerce. 10 artists visualize their positions in the form of buyable objects

Artists: Boicut + Zwupp! //  Die Luntisten // Wald & Schwert // Lumpenpack + Mafia // Paul Busk // PERFEKT WORLD // Tobias Held + Michael Tripold (Atzgerei) // Soybot // Nize // Josef Wurm

her ARTic impression:
As usual the art collective PERFEKT WORLD suprises with it’s special kind of criticism and humor by provoking their audience with a mixture of sarcasm and trashy pop-cultural banality. It seems as if they are laughing at this whole Christmas shopping madness by turning the exhibition into a christmas art market itself and at the same time managing to show the biggest spacial and artistic potential with a variety of local artists in this little box.
The exhibition runs till 23.12.2012. Make sure to check it out!

Photos by Dimitri Aschwanden. More on artpjf fb album.

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Drink’n’Draw, Opening @ REM Artspace [her ARTic impression]

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The first exhibition and opening of the new R.E.M (Rabbit Eye Movement) artspace on 6.12. in Vienna was a great success – especially in terms of the large attendance. It seemed as if all the urban/street art/graffiti scene and onlookers of Vienna came together to one point to enjoy the literally warm and cuddly atmosphere in the new artspace.

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I followed this project since a little while to have a better insight at the whole R.E.M concept and of course the Drink’n’Draw process itself.

The idea:  „The RABBIT EYE MOVEMENT wants their new Art Space to be a platform in Vienna for local and international urban and graffiti artists. Their ambition is to give graffiti illustration the same level of recognition within the art scene as it does in cities like London, New York and Paris.“

„(…) it will be more than a gallery; it will be a meeting point where in addition to exhibitions, all kinds of events such as concerts and art festivals will be held. As well as organizing events, REM wants to mediate between artists and clients.“

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Sounds good to me. I wanted to take a closer look on that idea and visited the artists during their Drink’n’Draw days.

The whole crew including THE WEIRD, JUKEBOX COWBOYS , LORDS, SOBEKCIS, MICHAEL HACKER, FLYING FORTRESS (unfortunately with zero female-artist-power), was sitting around a huge table drinking and drawing around the clock. To tell you the truth, I was really amazed by their constant concentration in drawing and drinking.

Considering this effect the output seemed pretty astonishing and the artwork itself much more authentic if you had an idea of the story behind it. I hope there will be a catalogue or short film published soon, as in the vernissage itself there were not much traces shown of the process – one essential point I missed.

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The space itself has great potential to become a meeting point for artists all around the world who want to get to know Vienna and have some great collaborations with local and international artists, as give people a better insight into and appreciation for street/urban art and graffiti.

I am definitely looking forward to the next events and hope that the R.E.M artspace will become another internationally known and valued street art platform. So let’s see, time will tell. Anyway, stay tuned on artpjf.com about next events at R.E.M artspace. See you soon!

Photos by Dimitri Aschwanden

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For more photos check artpjf on fb

Opening hours of the art space till christmas: mo-fr 12:00- 19:00, sat 12:00-17:00 @ Gumpendorferstraße 91

DAN FLAVIN – Lights @ mumok, Wien

Der US-amerikanische Künstler Dan Flavin (1933–1996) hat ab den frühen 1960er-Jahren mit handelsüblichen Leuchtstoffröhren in genormten Dimensionen und Farben ein unverwechselbares Œuvre geschaffen. Präzision und Kalkül verbinden sich darin mit sinnlicher Ausstrahlung. Die Ausstellung Dan Flavin –Lights zeigt erstmals in Österreich Flavins Lichtarbeiten in einem repräsentativen Überblick. Mit rund 30 Arbeiten verdeutlicht die Ausstellung die frühe Entwicklung vom bild- zum lichtbezogenen Werk anhand ausgewählter icons und spannt den Bogen über zentrale Einzelarbeiten aus fluoreszierenden Röhren bis hin zu den späten, seriellen und raumgreifenden Werken. Von der ersten, diagonal auf die Wand gesetzten „goldenen“ Röhre, über die “monuments” for V. Tatlin bis zu rauminstallativ eingesetzten Werken wie an artificial barrier of blue, red and blue fluorescent light (to Flavin Starbuck Judd) werden im mumok die künstlerische Vielfalt und die Entwicklungsmöglichkeiten sichtbar, die Flavin der kommerziell verfügbaren Leuchtstoffröhre mit beeindruckender Konsequenz abzugewinnen verstand.

Mit der Wahl der Röhren als Werkmotiv und -material signalisiert Flavin die Annäherung der Kunst an die Alltags-und Konsumwelt. Ihre Präsentationsweisen folgen den Prinzipien minimalistischer Nüchternheit, die sie aber zugleich farbig überstrahlen. Die damit geschaffene Überwindung traditioneller Kunstgattungen und Werkformen besitzt bei Flavin ihre Vorstufe in den sogenannten icons (1961–1964), die den Bildkörper durch angeschraubte Glühbirnen und Leuchtstoffröhren entgrenzen. Die icons ersetzen die sakrale Bedeutung des Lichts durch ein profanes Leuchten, das an Lichtreklame und Zimmerlampen erinnert. Sie spiegeln mit der Befreiung von tradierter Lichtmystik auch die Selbstbefreiung des Künstlers von seiner religiösen Erziehung wider. Mit ihnen verwandelt sich das Bild zum leuchtenden Wandobjekt, bevor Flavin durch das Anbringen von Leuchtstoffröhren an neuralgischen Stellen des Raumes die letzten Reste gängiger Bildvorstellungen tilgt. Als erste Experimente Flavins mit künstlichem Licht zeichnen die icons den Weg vor, den er in der Folge mit den Leuchtstoffröhren konsequent weitergehen wird.

In the diagonal of may 25, 1963 (to Constantin Brancusi), 1963, wird erstmals und kompromisslos die Röhre zum Objekt luminöser Selbstinszenierung. Ohne jegliches Beiwerk entfaltet sie eine Leuchtkraft, die übliche Grenzziehungen zwischen Werk, Raum und Betrachter ebenso außer Kraft setzt wie die Trennlinie zwischen rationaler Form und poetischer Erscheinung.

Flavins Lichtarbeiten spielen nicht nur auf aktuelle Alltagserfahrungen an, sondern verweisen auch auf die Moderne, in der die Demokratisierung und Funktionalisierung der Kunst zur Veränderung der Gesellschaft angestrebt wurden. Deutlich wird dies, wenn die Röhren zu geometrischen Formen getürmt sind, wie in den “monuments”for V. Tatlin (ab 1964). Diese bis in die 1990er-Jahre fortgesetzte Werkserie bezieht sich auf den Entwurf eines unrealisierten Bürogebäudes des russischen Künstleringenieurs Vladimir Tatlin für die III. Internationale. Flavin verweist mit seinen “monuments” einerseits auf das Bekenntnis der Konstruktivisten zur Industrialisierung. Andererseits führen sie deren Einfluss auf Flavins eigene sowie die Material- und Formensprache der Minimal Art vor Augen.

Auch die in den Werktiteln angegebenen Widmungen an nahe Verwandte und Freunde sowie an Persönlichkeiten des Kunstbetriebes, politische Repräsentanten und historische Ereignisse spiegeln die Verschränkung künstlerischer und gesellschaftlicher Interessen bei Flavin wider. Darin unterscheidet er sich maßgeblich von Künstlerkollegen wie Donald Judd oder Robert Morris und der von ihnen ausgerufenen Programmatik der Minimal Art, die gegen alles Persönliche, Subjektive und Politische im Werk gerichtet war.

Einen Höhepunkt raumbezogener Lichtkunst in der Eingangsebene des mumok bilden die European Couples, deren Röhrenquadrate die Raumecken überblenden und die Betrachter gleich zu Beginn in imaginäre, ineinander verschwimmende Farbräume tauchen.

Gemeinsam mit den Lichtarbeiten werden Zeichnungen gezeigt, die zum einen den Prozess der Werkplanung und zum anderen Flavins bildnerische Sensitivität dokumentieren.

Die Ausstellung wurde von Rainer Fuchs kuratiert und entsteht in Zusammenarbeit mit dem Kunstmuseum St. Gallen und mit Unterstützung des Dan Flavin Estate und Stephen Flavin. Gerade die durch unterschiedliche Raumvorgaben in Wien und St. Gallen begründeten Abweichungen der Präsentationen machen Dan Flavins unerschöpflichen und zugleich präzisen Umgang mit verschiedenen Raum- und Architekturkonzepten erfahrbar.

mumok.at

her ARTic impression:

Die körperliche und visuelle Wahrnehmung erfährt in der Ausstellung Dan Flavin – Lights eine besondere Intensivität. So ist das Kunstwerk nicht nur die ausgestellte Leuchtstoffröhrenformation, sondern auch gleich der Raum den sie umgibt und die warme oder kalte Tonalität ausstrahlt. Der Betrachter wird in diesen vorbestimmten und nicht auszuweichenden Gefühlsraum förmlich gedrängt – ein Kunsterlebnis mit hohem Immersionscharakter.

Doch der Ausstellungsbesucher sucht verzweifelt nach einer höheren oder wenigstens klaren Deutung/Bedeutung in diesen sonst so herkömmlichen Alltagsgegenständen. Was wird hier überhaupt beleuchtet? Was soll dieser Leuchtstoffrahmen, der mich nichts zu sagen scheint? Nicht mal ein Bild, oder wenigstens ein Leuchtstoffröhrenspruch?

Naja, was steht denn da auf den Wänden… Aha… icons… Ikonen… aha, aha, jaja!

Manchmal ist es bereichernder, einfach nicht zu lesen was da auf den Wänden steht und blind/blöd in die Ausstellung zu gehen, sich vollkommen auf diese Objekte einzulassen, sich Zeit zu lassen, die alltägliche Funktion dieser Gegenstände zu entwenden und sich einfach mal in den weiten Räumen “bestrahlen zu lassen“ – ohne Informationsabsorption, ohne dringliche Aufforderung zum Konsum, ohne Hautkrebsrisiko – ohne etwas und einfach mit nichts.

Dem Pragmatiker zu kompliziert, dem Wissenschaftler ganz und gar unakademisch, dem Träumer und Ironiker gerecht?

Ich verlasse die Ausstellung nach einem netten Plausch mit dem Ausstellungsaufseher und schmunzle über die Leuchtstoffröhre in der U-Bahn.

Die Ausstellung ist noch bis 03.02.2013 im mumok zu sehen.

Dan Flavin Veranstaltungshinweis: Lecture mit Juliane Rebentisch, Freitag, 23. November 2012, 19 Uhr – Anlässlich der Ausstellung Dan Flavin – Lights beschäftigt sich Juliane Rebentisch, Kunsttheoretikerin und Philosophin an der Hochschule für Gestaltung in Offenbach am Main, in ihrer Lecture mit Flavin als einem der bedeutendsten Vertreter der amerikanischen Minimal Art. Sie fragt danach, wie das Verhältnis von Kunst und Design, von Werk und Situation, Singularität und Serialität, Transzendenz und Ironie, Subjekt und Objekt heute gedacht werden muss und was aus zentralen ästhetischen Kategorien wie jenen des Schönen und des Erhabenen im Industriezeitalter wird. Und schließlich, durch all diese Fragen hindurch: So evident dieser zuvor genannte Eindruck im Falle von Flavins Arbeiten zunächst sein mag –wie kann ihre Präsenz näher bestimmt werden?

dOCUMENTA (13) @ Kassel, DE

Zeit zu verschnaufen, Zeit zu schreiben. Der Sommer war äußerst ereignisreich, mein Kunsthighlight die dOCUMENTA (13) in Kassel.

Die weltweit bedeutendste Ausstellungsreihe, die seit 1955 alle fünf Jahre stattfindet, definiert die diesjährige Kuratorin der documenta Carolyn Christov-Bakargiev:

„Die dOCUMENTA (13) widmet sich der künstlerischen Forschung und Formen der Einbildungskraft, die Engagement, Materie, Dinge, Verkörperung und tätiges Leben in Verbindung mit Theorie untersuchen, ohne sich dieser jedoch unterzuordnen.

Dabei handelt es sich um Gebiete, in denen Politisches untrennbar ist von einem sinnlichen, energetischen und weltgewandten Bündnis zwischen der aktuellen Forschung auf verschiedenen wissenschaftlichen und künstlerischen Feldern und anderen, historischen ebenso wie zeitgenössischen Erkenntnissen.

Die dOCUMENTA (13) wird von einer ganzheitlichen und nichtlogozentrischen Vision angetrieben, die dem berharrlichen Glauben an wirtschaftliches Wachstum skeptisch gegenübersteht. Diese Vision teilt und respektiert die Formen und Praktiken des Wissens aller belebten und unbelebten Produzenten der Welt, Menschen inbegriffen.“ (Carolyn Christov-Bakargiev in Das Begleitbuch/The Guidebook dOCUMENTA (13) S.2).

Die Kunst soll sich nach dieser Erklärung ihrer eindeutigen Ordnung und Begrifflichkeit entziehen. Eine Zentrierung wird negiert, so auch in lokaler Hinsicht. Die diesjährige documenta spielte sich neben Kassel in Kabul & Bamiyan (Afghanistan), Alexandria & Kairo (Ägypten) und Banff (Kanada) ab.

Die Frage nach dem was Kunst ist, musste man sich sprichwörtlich erarbeiten, denn nach klaren Definitionen konnte man dort vergeblich suchen. So stellte man sich oft die Frage, was nun Teil der Ausstellungsreihe dOCUMENTA (13) sei, vor allem wenn sie nicht in geschlossenen Räumen gezeigt wurde: zwei Hunde mit jeweils einem pink bemaltem Bein (Pierre Huyghe)? Der Windzug im Fridericianum (Ryan Gander)? Die Erdatmosphäre als Unesco-Welterbe (Amy Balkin)? Oder doch gleich wir selbst (tanzend, singend, sich wundernd bei Tino Sehgal)?

„Es ist dieser Moment, um den die Documenta kreist: Sie glaubt an die Badewannen-Erfahrung, an die Begegnung mit den Dingen. Denn in den Dingen ist etwas verwahrt, eine Geschichte oder eine Empfindung. Und deshalb sollen wir uns ihnen hingeben, uns in sie hineinversetzen, vorstellungshalber. So könnte das neue Denken beginnen: mit einem Akt der Einfühlung.“ (zeit.de Artikel „Lost in Kassel“ von Hanno Rauterberg)

In den Dingen Leben zu erkennen, lässt dann doch an einen bestimmten Begriff denken:   Animismus (und an die Ausstellung des letzten Winters in der Generali Foundation Animismus. Moderne hinter den Spiegeln).

In einer „Reaktivierung des Animismus“, wie sich in der Ausstellung der Generali Foundation thematisiert wurde, geht es um die Fragen, ob die westliche Vorstellung von Leben, Seele, Glaube, etc. sich als „Prozesse von Subjektivierung und Objektivierung denken lassen, wo die Subjekt/Objekt Relation in Frage gestellt wird. Ein relevanter Gedanke angesichts der heutigen technologischen oder biogenetischen Möglichkeiten und Entwicklungen.

Auch wenn die dOCUMENTA (13) diese Gedanken nicht konkret ausspricht, so scheinen sie doch mitzuschwingen. Doch viel wichtiger in ihrer Definition scheint dieser vollkommene fast zwanghafte Entzug einer solchen. Und wer trägt die Verantwortung? Natürlich war es nicht ganz so führungs- und ordnungslos. Für alles Gute und Schlechte durfte man Carolyn Christov-Bakargiev die Schuld zuweisen (was die Presse und Besucher dann größtenteils auch taten).

In der Stimmung der Kunsterfahrung lag etwas Unbekümmertes. Vor allem seitens der Besucher spürte man eine Ungezwungenheit. Niemand will hier einem etwas verkaufen, niemand will hier einem eine neue Weltordnung aufzwingen – oder zumindest nicht direkt. Die Kunst schien sich in „eine Form lebender Kultur (zu) erfahren, als Bestandteil des Alltags“ (Carolyn Christov-Bakargiev).

Als lebend wird die Kultur/Kunst nur empfunden, wenn man sie selber zum Leben erweckt beziehungsweise versucht sich auf sie einzulassen. Das braucht Zeit. So schien es mir absolut unmöglich die dOCUMENTA in zwei Tagen abzulaufen. Nicht um der Willen jedes Kunstwerk zu examinieren, sondern um ein Gefühl des Einlebens, auch in der Stadt selbst, herzustellen (für den neuesten Schrei bitte suchen sie die nächstbeste Kunstmesse auf).

Dieses Phänomen Teile der Stadt selbst und ihre Bürger und Mitmenschen in ein temporäres Kunstfeld zu umwandeln, machte den besonderen Charakter der dOCUMENTA aus. Gehetzt, gedrängelt wurde nicht, so spielte das Schlangestehen auch keine große Rolle, da man sich schnell mit den Nachbarn aus aller Welt zu unterhalten begann und die jeweiligen Erlebnisse und Eindrücke austauschte.

„Es ist das Wagnis, die getrennten Sphären miteinander zu befreunden: den Widersinn und die Ratio, die Geister und den Geist, die Poesie und das Politische.“ (H.R.)

XL Kunst in XS Monaco

Das Grimaldi Forum, das Kulturzentrum Monacos, zeigt diesen Sommer in Kooperation mit dem Centre Pompidou die Ausstellung „Extra Large“. Ausgestellt werden vor allem großformatige, monumentale Werke aus der zeitgenössischen und modernen Kunstsammlung des berühmten Pariser Museums. Bekannte Künstlerpersönlichkeiten wie Joan Miró, Jean Dubuffet, Pierre Soulages, Frank Stella, Sam Fancis oder Yan Pei-Ming werden im Konzept der Monumentalität mit ihren XL-formatigen Gemälden präsentiert. Neben den zweidimensionalen Werken enthält die Ausstellung vor allem raumgreifende Skulpturen und Installationen u.a. von Joseph Beuys, Christian Boltanski, Daniel Buren, Sol LeWitt, Anish Kapoor und Bill Viola – insgesamt 4000 m² für 40 Werke.

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Grob gesagt beinhaltet das Ausstellungskonzept XL Werke (und Künstler, im Sinne ihres Bekanntheitsgrades) in XS Monaco zu präsentieren. Monaco ohne Luxus und Spektakel vorstellbar? Mais bien sûr que non!

Es hat mich besonders gefreut all diese, im Raum wohl rhythmisierte, Kunst von so bekannten Namen des 20. Jh. zu sehen, und das gleich alles auf einem Haufen – das letzte Mal hatte ich dieses Vergnügen… oh… ja… im Centre Pompidou!

Der Charakter einer Überblicksausstellung dominierte, kritische Gehirnmasse Fehlanzeige – nicht seitens der Werke selbst, sondern seitens des Ausstellungskonzeptes. Kind of Notorious Big – mais quand même, bravo et merci Monaco – die Kunst war ein genussvoller Augenschmaus.

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Fotos: montecarlodailyphoto.com & eternal-optimist.com

FRANCISCO MORENO – Las Noticias

Curbs & Stoops & Rhythmology have they first pop-up exhibition in New York – “Las Noticias,” (The news in Spanish), a solo exhibition by Mexican-American artist, Francisco Moreno. Curated by lovely art accesible missionary Jeffrey Pena (interview with artpjf).

In his paintings, murals and installations Moreno explores notions of American identity and iconography. He uses a graphic language of black and white camouflage as a metaphor for assimilation into foreign environments and foreign conditions. Throughout his work, Moreno considers the process of assimilation for immigrants as they contemplate immersion into American culture.

The artist shares, “I want to examine the images, reality, or sheer absurdity of what America considers news. A headline attempts to capture how we function in society now.” No catastrophy falls out of the realm of representation.

Opening Friday July 20, Avenue Westbury NY. For more info visit curbsandstoops.com.

ESCAPE THE GOLDEN CAGE 2012

Escape the Golden Cage ist wieder erwacht und findet vom 11. – 25. Mai 2012 zum zweiten Mal in Wien statt.
Die Urban Art Ausstellung ist dieses Jahr im K&K Telegrafenamt im ersten Bezirk Wiens zu sehen. Die diesjährigen Künstler sind Abner Preis (NL), Christian Awe (D), Dan Witz (USA), Katrin Fridriks (ICE), Lies Maculan (A), Low Bros (D), Mark Jenkins (USA), Robert Proch (D), Satone (D), Various & Gould (D) und Wk Interact (USA).
Besonders gespannt bin ich auf die Arbeiten von Mark Jenkins, Wk Interact und natürlich den Low Bros, mit denen ich einst am Donaukanal das Vergnügen hatte.
Die Vernissage findet am Freitag 11. Mai um 19 Uhr im K&K Telegrafenamt statt (fb event). Neben der Ausstellung gibt es ein Rahmenprogramm, das das Super Hero Project von Abner Preis, eine Podiumsdiskussion, eine „Escape the Golden Gap“ Party, ein „Golden Art Dinner“ und eine Finissage umfasst.
Bei der Podiumsdiskussion werden am 16. Mai Autor und Kurator Thomas Edlinger, Kunstsammler- und -händler Rik Reinking, Dozentin der Humbold Universität Ilaria Hoppe, Kunstanthropologin Elisabeth von Samsonow und der Kunstunternehmer Marco Schwalbe (und Mitveranstalter der STROKE Urban Art FairInterview auf artpjf) zum Thema „High and Low Art in Bezug auf Urban Art“ diskutieren.
Mehr Infos rund um die Ausstellung und das Rahmenprogramm auf escape-goldencage.com.
her ARTic impression zur Urban Art Ausstellung ESCAPE 2010.