Archive for the ‘ Künstlerin ’ Category

Untitled (Memory is your image of perfection)

Barbara Kruger, Untitled (Memory is your image of perfection)

Interview with Beth Wexler

As you might have noticed I’m getting more and more interested in the world of media art especially projection art (or vjing), video art and the art of sound design, so even leaving the visual components aside. I am quite happy to work again for sound:frame, a festival for audiovisual expressions in Vienna, starting in April this year. Check out the website, as well as some of my postings for the sound:frame av blog.

Constantly in search of new interesting artists I stumbled upon Beth Wexler’s website these days and had a look on her videos and her artist statement, which describes her work perfectly:

„Beth is interested in exploring the human condition, particularly within media saturated cultures.  By using elements familiar within pop-culture  – teevee shows, bright colors and pop music – she creates work that references the familiar while also leaving room for exploration and question.  As an allusion to temporal transformation and a desire to point to a perpetual state of change she tends to work primarily with time-based media.  Utilizing tools for video and sound she deconstructs instances of time only to reconstruct alternate possibilities.  Other areas of interest are the transference of media such as turning data from video sources into sound or using frames of video on three dimensional cultural artifacts.  In an attempt to create pieces that are unique, her work is created through a series of processes that are then applied in real-time systems, which often lend themselves to performance.“

I was especially interested in her pixel videos and works of art, with their very own abstract aesthetics and peculiar sound. Particularly in media age where one feels permanently confronted with pseudo-reality imatitive imagery it feels quite inspiring and suggestive to get into this computer-based abstract art.

Check out the interview with Beth Wexler and also have a look at her tracks below – I made a little selection of my favourite ones. Enjoy!

PS: I’m sorry for my German-speaking audience. I switched to English, as it was quite difficult for me to translate the interview without losing it’s clear meaning…Hope that’s okay for you anyway.

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Interview with Beth Wexler:

artpjf: First please introduce yourself briefly.

B.W.: My name is Beth Wexler (AKA Wex).  I’m a digital artist.  I work primarily with video and sound that often culminates in installation or live performance.  I’m currently completing my MFA degree at Rhode Island School of Design in the states.  I also love when people smile and are good to themselves and each other.

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artpjf: When did you begin to recognize aesthetics in pixels?

B.W.: I became interested in the aesthetic in pixels as an alternative perspective on the remix.  A lot of my early work was temporally structured video remixes.  From then I went on to work as a video and film editor, so reworking time was very familiar to me.  When I came back to school I challenged myself to think outside of that comfort zone.  Rather than remix things in time, I was interested in remixing them within their own materiality.  If you break digital video down to it’s basic components you are left with arrays of colorful pixels.  I started applying strings of effects, (which are basically just algorithms that treat and rearrange the present pixels) to found footage.  The more I could affect the pixels, the more I enjoyed the results.

artpjf: Describe the process of your work. What kind of program or software do you use?

B.W.: I work primarily in a program called Max/Msp/Jitter which is a visual programming environment.  It’s a building process, kind of like working with legos, which I loved to do as a kid.  There are all of these objects that perform different functions.  When they are pieced together in certain ways, it’s like magic happens.  I start with a video, and then funnel it through all of these objects and see what I get.  I can also alter the parameters of the objects.  When I perform live, that’s pretty much what I’m doing, changing parameters, which affects the outcome of the inputted video.  If I am making a piece for an installation, I’ll set the parameters to randomly change.  I love that I can set the system to function without me and be completely surprised by the result.

As for the video that I put through the system, that varies.  Primarily, I work with slightly old popular (American) TV footage.  I’m really interested in the impact of mediation.  TV is losing its place as the dominant means of domestic electronic mediation, which makes it the perfect time to look at it retrospectively.  I like to work with the last of the material that went unrivaled (ie, before the internet became a competitive source of entertainment).  Also, that was the mediation that I grew up with in the 80’s and 90’s, so it had a big impact on my personal development.  Since most of this material has been digitized, it’s pretty easy to send through the systems that I build.  I like that I get to remix this kind of material in a way that I haven’t seen it remixed before.  I think of it as an intervention in a cycle of mediation (the cycle; stage 1 – mediation, where material is put forth for consumption, stage 2 – pop-culture, where material reaches a large audience, stage 3 – appropriation, where that material is adopted into societal norms, and stage 4 – feedback, where the effects of the material are fed back into the mediation stage).  I intervene at stage 3.  Rather than just appropriating, I subvert the meaning of the material through abstraction.

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artpj: How does „sound“ correlate with your work?

B.W.: Sound is something that I am still in the process of integrating.  I have worked with sound externally from these pixel remixes and have been experimenting with ways if incorporating it into the work.  I am now in the process of setting up a system of affecting sound that parallels my system of affecting video.  It’s still in a preliminary stage, so it’s hard for me to talk about it right now.  I do think that there is a need for sound in the work though, and I’m excited about figuring out how to make it fit.  Probably one of the main reasons I started working with video is because it has an overt sonic component.  I love the immersive experience that audio-visual work evokes, so getting my work to a point where I can tap into that is very important to me.

artpj: Do you prefer playing live shows or rather applicable pieces while you are performing?

B.W.: I don’t have too much of a preference for how I show my work.  One week, I’ll be really into playing live, and then I’ll do a few shows, and a few weeks later I’ll want to do more installation work.  I love the thrill of performing though, especially in new environments.  I have a bit of stage fright, but I think that’s what makes it so exciting.  Once I get in the zone, all that fear kind of strips away, and I focus on what I’m trying to accomplish.  The thing that is so great about instillation work is knowing that someone is going to happen upon it.  So far, most of what I have done has been in the gallery setting, but I’d really like to branch out of that and install work in unexpected places.  I love the idea of digital work in a street art context, but the logistics are a bit difficult.  You can’t just set up a bunch of gear and expect that no one will take it.  And since my work often involves projection, there’s also the issue of a power supply.  I know there are these massive projection mapping projects that involve a ton of tech, but I’m trying to work out a way to create something a little more intimate.  I haven’t quite gotten to it yet, but it’s an idea that’s been brewing for a while.

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artpj: Tell us something about your project PXL-MSHR.

B.W.: PIXL-MSHR was a controller that I build about a year ago.  I was just starting to learn some physical computing and I was performing quite a bit and I thought it would be pretty great to build a custom controller for myself.  It was actually supposed to be the mainframe for a series of modular controllers, so there would be other components that could plug into it for more control.  As a VJ, I tend to work in smaller types of clubs (thought I would love the opportunity to work in larger and more varied venues), and often, the amount of space left over after the DJ sets up is pretty limited.  So I thought developing a controller to use in that type of space would be a practical and creative solution.  However, if I were to work someplace where I was given more room, more pieces with extra buttons, knobs, sliders, and different sensors could be added.  I haven’t really had time to work on it much though.  Physical computing can be really time consuming and I realized that I was trying to develop a tool with which to make work, but the making of the work was most important.  I would love to find someone collaborate with who was just interested in building the components.

artpj: Any upcoming projects?

B.W.: I have a few projects coming up.  This week I will install a tech-less piece called The Succession of Chester Copperpot.  It’s almost completely different from the video work that I do, but the thread to tie it together is pop-culture.  In this case, it’s a reference to the 1980’s film The Goonies.  I’ve pulled out a moment from the film and I’ll be creating a very lowbrow interpretation of it, similar to my piece I Was Promised a Hoverboard.  There’s also a show coming up in May for all the MFA graduates here at RISD.  For that I have something a bit bigger planned involving old TVs, projection mapping, and sound.  I’m really looking forward to seeing how that one turns out.  Right now it’s in its developing stages, and there are still a lot of details to work out.  Once I start putting the pieces together though, I will probably have some kind of documentation series on my website.

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Valie Export @ Charim Galerie, Wien

„Das künstlerische Schaffen von Valie Export ist in wesentlichen Teilen von der Erweiterung des Bildbegriffes, der Hinterfragung von Bildgrammatiken und Konzepten des Kinos, von konzeptueller Fotografie und von Werkprozessen, die mit dem Begriff des „Anagrammatischen“ charakterisiert werden, geprägt. Vielfach wirken die Auseinandersetzungen mit diesen Themen ineinander. So beispielsweise im Avantgardefilm „Syntagma“, in welchem Bildfindungen aus der Serie der Körperkonfigurationen und Gestaltungselemente aus den Serien der konzeptuellen Fotografien zu finden sind. Die Leitlinie der gegenwärtigen Ausstellung von Valie Export in unserer Galerie führt entlang dieser Grundgedanken, der Verschränkung von unterschiedlichen Medien und Bildkonzepten.

„Ein durchsichtiges Plexiglasobjekt, auf der einen Seite kantig, auf der anderen abgerundet. Der skulpturale Behälter nimmt in seiner Mischung aus rechtwinkeligen und runden Formen auf das Innenleben Bezug. Dieses besteht aus einer Reihe identisch aussehender DVDs, die durch die transparenten Wände schimmern; die Box enthält neunundzwanzig Film- und Videoarbeiten Valie Exports“. So beschreibt Johanna Schwanberg das Objekt, dessen Inhalt in unserer Ausstellung in der Abfolge von 29 Tagen zu sehen sein wird. An jedem Tag der Ausstellung wird ein Film/Video, entsprechend den 29 Video DVDs der Box, präsentiert. Neue Laser-Installationen, basierend auf Entwürfen von 1973, sowie Modelle von Werken, die für die Ausstellung „Valie Export – Archiv“ im Kunsthaus Bregenz entwickelt wurden, ergänzen einander durch ihre Wechselbezüge und formalen Entsprechungen.

Die fotografischen Bildquellen der „Modelle“, in denen zeichnerische Gesten physisch in den Raum ausgreifen, bilden auch die Grundlage der Laser-Installation „Aus dem geomtrischen Skizzenbuch der Natur: Geometrische Figurationen in Dünenlandschaft, 1973/2012″. Auch sie fungieren als Modelle, allerdings als Paradigmen nachgestalteter Raumerfahrungen. Dabei wird der illusionäre Bildraum der Fotografie durch Zeichenbewegungen verstärkt und diese mittels Lasertechnik in den realen Raum der Galerie erweitert.

Die einzelnen Entwicklungsschritte des Entwurfes von 1973 bis hin zur Konkretisierung der damals schon angedachten Laser-Installation bilden, neben der Präsentation der neuen Video DVD Edition, den zweiten Schwerpunkt der Ausstellung.“

(Text: Charim Galerie Wien)

her ARTic impression:

Interessante Werkauswahl: das Zusammenspiel zwischen Televisionärem und den Fotografien mit dreidimensionalem Vorsatz hinterfragt die Wahrnehmungsbeziehungen im Raum. Die Laser-Installation diente als i-Tüpfelchen der Ausstellung, auch wenn die Abspielfolge des Lichtstrahls nicht ganz klar schien. Schade war es, dass man die einzelnen Tonsignale der Videos nicht hören konnte und die Fernseher in ihrer Aufstellung vielmehr an eine einheitliche Installation erinnerten, anstatt für sich zu wirken. Man versuchte den Bezug zu den einzelnen Filmen zu finden, fand jedoch keinen.  Das Geblinker der einzelnen Videos verstärkte den Effekt der Kisten-Installation. Die Aufmerksamkeit zog es allemal auf sich; am Inhaltlichen mangelte es leider. Dennoch: absolut sehenswert. Das Angebot der DVD ist für Valie Export Fans auch nicht zu verfehlen.

Ausstellungsdauer: 27.01.2012 – 03.03.2012

Fotos von Dimitri Aschwanden.

Online Gallery bubblebyte.org + Ausstellung Sabrina Ratté

bubblebyte.org ist eine Online-Galerie und präsentiert Künstler, die auf kreative Weise mit dem digitalen Raum agieren und die vielfältigen Möglichkeiten der Medien für sich zu nutzen wissen. Ein Projekt von den Künstlern Rhys Coren und Attilia Fattori Franchini.
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Die derzeitige Online-Ausstellung präsentiert Werke von Sabrina Ratté. Activated Memory – ein Video-Projekt, das auf animierte Fotos verschiedener Parks und Gebäude in Montreal basiert. Mittels Video-Feedback, 3D Animation und Farbmanipulation, gewinnen die Bilder eine neue Dimension. Ein „Raum“ wird geschaffen, wo nur Fragmente der Realität bestehen. Musikalisch untermalt werden die Videos von Roger Tellier-Craig. Mehr auf bubblebyte.org
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Gustav Mahler Lied – Collector’s Edition

Dieses Monat erschien die einzigartige Sammler-Edition „Gustav Mahler Lied Collector’s Edition“ von departure. Die siebenteilige DVD-Edition zum Liedwerk Mahlers verbindet neue Darstellungsformen und kompositorische Neu- und Umdeutungen. Die umfassende Werkschau spiegelt die Bandbreite des Liedschaffens Mahlers wider und lädt zu einer audiovisuellen Entdeckungsreise unterschiedlicher Ansätze und Positionen der Interpretation.

In Wien haben sich in den letzten Jahren spannende Szenen von Visualistinnen und Visualisten und mit sound:frame sogar ein eigenes Festival zur Visualisierung von Musik entwickelt. In Kooperation mit sound:frame-Leiterin Eva Fischer wurden für das Gustav Mahler-lieb lab bewusst sehr unterschiedliche visuelle Ansätze ausgewählt, um eine große Bandbreite von Möglichkeiten für die Visualisierung des Klavierlieds aufzuzeigen. Die Visualisierungen stammen von den führenden österreichischen VisualistInnen annablume, LIA, Luma.Launisch, LWZ, Valence und Victoria Coeln.

Mehr zur Sammler-Edition auf www.departure.at.

Ein Einblick in das Hardcoverbuch -192 Seiten mit Fotografien von Markus Rösse, Grafiken von 3007 und Texten von Wolfang Holzmair, Stefan Niederwieser und Christoph Thun-Hohenstein.

Ein paar Ausschnitte der Szenen:

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Miss Van „Muses“ @ Inoperable Gallery Vienna

Die berühmte französische Street Art Künstlerin Miss Van präsentiert seit letzter Woche ihre neue Werkserie „Muses“ in der Inoperable Gallery in Wien. Gezeigt werden ihre typisch sinnlichen und zugleich verspielten weiblichen Figuren, filigran und bunt gemalt. Ihre Charaktere sind verhüllt, verschmelzend mit tierischen Zügen und wirken weniger süß, vielmehr verführerisch-sexy und geheimnisvoll.

Miss Van begann im Alter von 18 Jahren in den Straßen zu malen. Sie gilt als eine der berühmtesten Frauenkünstlerinnen, die seit den 90er Jahren die weibliche Bewegung in der Street Art avancierte.

her ARTic impression:

Die Inoperable Gallery zeigte sich wieder einmal von ihrer besten Seite. Nach dem großen Erfolg mit ROA gelang es der Galerie wieder einen weiteren Superstar der Street Art Szene für sich zu gewinnen. Die Eröffnung war besonders gut besucht, viele Arbeiten wurden verkauft. Miss Van war bei der Vernissage anwesend und präsentierte ihr neuestes Buch „Twinkles“. Glücklich über die vielen Fans fand sie leider kaum Ruhe und Zeit mit mir ein paar Worte über ihre Arbeiten zu wechseln. Vielleicht hätte ich das Buch kaufen sollen…

Mehr Fotos auf facebook und flickr.

Coded Cultures Technopolitics Talk @ Urania

Die zweite Woche des Festivals  Coded Cultures 2011 begann mit einem Vortag von Armin Medosch im Urania. Medosch präsentierte das Forschungsprojekt „Technopolitics“, ein praxisorientiertes Forschungsprojekt von Brian Holmes und Armin Medosch selbst eingeleitet. Es ist ein „Selbst-Bildungs-Projekt“, das komplexe Zusammenhänge der gegenwärtigen Entwicklungsprozesse greifbar zu machen versucht.

„Mit Entwicklung meinen wir den geschichtlichen Fluss, die historischen Transformationen des menschlichen Bewusstseins, der Waren- und Geldströme, der natürlichen und kulturellen Ressourcen, der Energienutzung und der politischen Vorgänge, die diese Beziehungen regulieren (sollten).“ (Armin Medosch thenextlayer.org)

Dabei konzentriert sich Technopolitics auf die Autopädagogik und versucht ohne hierarchischen Einfluss von Vortragenden und Zuhörern, die Beteiligung als selbstorganisierte Bildung durchzusetzen.

„Technopolitics versucht eine Art Do-It-Yourself Starterkit zur gesellschaftlichen Emanzipation zu produzieren, zur Selbstermächtigung gegenüber der Fremdbestimmtheit.“

Nach Armin Medosch ist die kritisch rationale Beurteilung von Werten als etwas Verlorengegangenes ein postmodernistischer Gedanke, der in unserer Zeit nachwirkt aber nicht mehr bestimmend sein sollte. Vielmehr sollte es sich darum drehen sich aufzuraffen und kreative Strategien zu entwickeln, um über die Paradigmen der Informationsgesellschaft hinauszusehen, folglich zu handeln.

„Als technopolitisch im abstrakten Sinn lassen sich jene Vorgänge beschreiben, bei denen es zu wechselseitigen Übergängen zwischen materiellen Bewegungen und geistigen oder sozialen Beziehungen kommt.“ Armin Medosch spricht hier vom Warenfetischismus und kritisiert die „mythische Kraft“ einer Ware, sowie ein Aberglaube der mit ihr verbunden ist, die vergessen lässt, dass sie Ware letztendlich nur ein Produkt menschlicher Arbeit ist.

Verschiedene Kunstprojekte wurden ebenfalls präsentiert unter anderem von Matsuko Yokokoji und Graham Harwood mit dem Projekt Open Data Book Stabbing (2011), Lucas Bambozzi mit Mobile Crash (2009), Manu Luksch mit Faceless (2007) und Adnan Hadzi mit Austrian Surveillance Techno (2010).

Mehr zum Vortag und zum Projekt auf thenextlayer.org.

her ARTic impression:

Ein spannender Vortrag mit äußerst interessanten, zum Nachdenken anregenden Ansätzen. Coded Cultures 2012 werde ich wohl mehr Aufmerksamkeit schenken müssen.

Fotos von Dimitri Aschwanden.

Vernissage BLK River

Ein leerstehendes Haus in der Führichgasse 10 mit 7 Stockwerken und 40 gestalteten Räumen von internationalen Künstlern ist das Konzept der diesjährigen Ausstellung von BLK River; alles unter dem  Thema „Love“. Bevor mit den neuen Renovierungsarbeiten begonnen wird, stellt JP Immobilien das Gebäude als Ausstellungskonstrukt zur Verfügung.

Künstler: Akay, Aram Bartholl, Brad Downey, Christian Falsnaes, Dtagno, Erwin Wurm, Ivan Argote, JR, Leopold Kessler, Marlene Hausegger, Voina Group, Zukclub uvm.

her ARTic impression:

BLK River punktete wieder mit einem großartigen Konzept, sowie einer spannenden Auswahl an renommierten Künstlern. Sosehr auch das Konstrukt stimmte und vielversprechend klang, wurde man von der künstlerischen Schlagkraft nicht gerade „erschlagen“. Das Gefühl von „kommt jetzt noch was?“ begleitete einen immer mehr je höher man die Treppen hinaufstieg. Eine stärkere Konzentration auf das Künstlerkollektiv Voina Group war deutlich spürbar und am besten durchgesetzt. Im Vergleich zum letzten Jahr fehlte auch eine sonst so für das BLK River Festival deutliche Präsenz einer „reinen“ urbanen Kunst, Kunst die auf der Straße passiert und institutions-ungebunden ist.

Zusammengenommen wurde das Potenzial dieses überaus spannungsreichen Konzepts der Gruppenausstellung leider nicht völlig ausgereizt. Schade.

Fotos von Dimitri Aschwanden. Mehr Fotos demnächst.

YUKO ASAI – Make-Up

Yuko Asai, aus Aichi Japan befasst sich mit Kosmetik als Phänomen der non-verbalen Kommunikation. Für Yuko dienen Kosmetika nicht nur als Maßnahme zur Verschönerung des Erscheinungsbildes, die Künstlerin sieht dabei sichtbare Zeichen der Machtideale, Emotionen, Einstellungen und Hoffnungen der Menschen, die auf der Oberfläche des Körpers erzeugt werden.

Gleichzeitig wird durch Kosmetik versucht die Alterung und die Begrenztheit des Körpers weniger sichtbar zu machen; aber auch ein auch neues Lebensgefühl zu erwecken und soziales Prestige auszudrücken.

Mehr auf yukoasai.com.

STYLE NEEDS NO COLOR (SNNC) – RUN VIE exhibition opening @ Raum D quartier 21

Style Needs No Color vertritt die Auffassung, dass überbordende Farbauswahl und der Einsatz von pseudo-flashy Techniken das schwache Fundament einer Nicht-Existenz künstlerischer Inspiration nicht überdecken sollten. Die Philosophie, dass sich Kunst als solche gegen alles und jeden behaupten kann – ohne unnötig gewählte Ablenkungsmanöver – wird mit allen Mitteln gelebt. SNNC-Artists beschränken ihre Farbpalette nicht nur deshalb auf Schwarz und Weiß.

„Schwarz auf Weiss Vol.II“, die Nachfolge-Veröffentlichung ihrer erfolgreichen ersten Buch-Publikation, zeigt diesen Stil in voller Konsequenz. Seit Anbeginn manifestiert sich die Aktionsfähigkeit des Kollektivs in manigfaltier Form: Ausstellungen, Live-Painting-Shows, Installationen und Streetwear-Kooperationen mit KünstlerInnen aus aller Welt. Das Schwarz/Weiß-Illustrations-Netzwerk gedeiht und wächst unaufhaltsam.

Künstler:
Clemens Behr (installation), Sebastian Tomczak (motion graphic), Nychos, Pixelpancho, Kornel, Dust, Bark in the Yard (BITY, represented by BSCT), Aro, Frau Isa, Mike Hyp, Ink-A-Zoid, Pisa73, Base23, Manuva

(Quelle www.runvie.at)

her ARTic impression:

Das Projekt ist noch in seinen Anfängen, doch die Publikation ist durch die vielfältige künstlerische Gestaltung und dem idealen Konzept durchaus empfehlenswert (und für 20,- Euro auch leistbar). Die Ausstellung, vor allem die Installation von Clemens Behr, sollte man sich auch nicht entgehen lassen. Nychos (YES KIDS IT’S ACID – Urban Art Attack @ Donaukanal Wien) und Frau Isa (Interview mit Frau Isa) sind auch dabei.

Fotos von Dimitri Aschwanden.

Mehr auf facebook und flickr.