DANIEL PALACIOS – Waves

How does sound move?

Daniel Palacios, Spanish multimedia artist, gives us one the most authentic demonstration of the visualisation of moving sound. The art work called „Waves“ is made up of a long piece of rope generating 3D waves, which are floating in space by the physical action of its movement. At the same time those visual waves create a typical sound by cutting through the air. The movement of the rope is affected by the audience which moves around the installation, generating visual and acoustic sound waves from harmonic patterns to complex ones.

An absolutely astonishing and beautiful installation. Hope I get to see it live some day.

Enjoy the video.

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Read more on danielpalacios.info.

 

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Interview with ANTHONY GERACE (project Fig. 1-99)

Anthony Gerace, visual artist and photographer, wrote me an email couple of days ago and I had the chance to take a closer look on his work.

I am especially interested in his work series „Fig. 1-99“, hundred colour studies on paper sourced from 60s, 70s magazines such as Life, Playboy, Time, Popular Mechanics etc.

I enjoy this fragmentation of colour and combination of forms. The collage pieces definied by their outlines appear as abstract forms with words/letters giving away their identity – their combination only predicted by their specific colour chosen from the magazines.
And still, there is enough space to bring those pieces to life; at one point, you start to recognize those stripped motives seeing contours of women, hands, breasts,… some appear more vivid, others less. At the end it’s all about the uniqueness of a single piece.

I asked Anthony some questions to know more about him and his work. Enjoy the interview.

artpjf: Please introduce yourself briefly.

Anthony Gerace: My name is Anthony Gerace, I’m a photographer and collage artist based in London. I moved here recently to pursue work in graphic design, but for the past ten years have lived in Toronto.

artpjf: I am especially interested in your work series „Fig. 1-99“ – hundred colour studies on paper sourced from 60s, 70s magazines. The collages don’t seem specifically arranged. How do you know when to come to an end? What role does coincidence play in your work?

A.G.: I conceived the series, near the beginning, as having a defined ending (100 was always the goal). But within that, while there was no specific arrangement to speak of, there were certain instances where pairings or runs of images were important. Especially in the centre of the series, where Fig. 50 is split in two to show the potential (and main point, really) of the project: that each piece was unique not only in composition but also in tonality, and that even if I kept an obvious visual cue (the „and the“ typography) it would still result in a very different piece just on accounts of the paper. There were also certain pieces that were made with the intention of going in certain places in the series: though I made „Fig. 99“ long before I finished, I knew it was going to be the final image, mainly because I think it sums things up well. Likewise, there was always meant to be more and more multi-coloured studies as the series went along. Though I always found these less satisfying. So while I didn’t know how the entirety would look, I did know what it would be.


artpjf: As a graphic designer does your commercial practice influence your art practice? Do you separate those practices? Or is it just „the same“?

A.G.: I’d say both practices influence each other. For a long time I tried to integrate my collage work into my graphic design, but as I thought about it more I realized that that had the side effect of cheapening the collages and making them look more like process than their own entity. I do think that the methodologies of both practices have influenced one another for the better: when designing, I can’t help seeing myself as collaging, just not collaging paper and doing it digitally, while, when making collages, the implications of typography and tone factor in more because of how my design education has influenced me. They’re definitely not the same, and I do keep them separate, but I don’t think they’d exist without each other.

artpjf: Upcoming projects?
A.G.: I have quite a few projects on the go at the moment! I’m in the last stages of a series called „People Living“ which is a return to more traditionally figure based collage. I started that one when I was still working on the colour studies, and it acted as much as a foil to that work as it did it’s own thing. I’m also working on two new projects, both of which are untitled and both of which are continuing some of the more abstract work I’ve been doing and are the next step out from the colour studies. And I just started a body of work that I’m calling „There Must Be More to Life Than This“, which is a series of frustratingly intricate grid collages. I think there’ll end up being a hundred of them at varying sizes. And as always the portraits are a constant. I’m really excited to be able to make work, and to keep doing this and find people interested. It’s the best feeling.
artpjf: Thank you, Anthony!

Some other collages I appreciate too…

More on a-gerace.com

DAN FLAVIN – Lights @ mumok, Wien

Der US-amerikanische Künstler Dan Flavin (1933–1996) hat ab den frühen 1960er-Jahren mit handelsüblichen Leuchtstoffröhren in genormten Dimensionen und Farben ein unverwechselbares Œuvre geschaffen. Präzision und Kalkül verbinden sich darin mit sinnlicher Ausstrahlung. Die Ausstellung Dan Flavin –Lights zeigt erstmals in Österreich Flavins Lichtarbeiten in einem repräsentativen Überblick. Mit rund 30 Arbeiten verdeutlicht die Ausstellung die frühe Entwicklung vom bild- zum lichtbezogenen Werk anhand ausgewählter icons und spannt den Bogen über zentrale Einzelarbeiten aus fluoreszierenden Röhren bis hin zu den späten, seriellen und raumgreifenden Werken. Von der ersten, diagonal auf die Wand gesetzten „goldenen“ Röhre, über die “monuments” for V. Tatlin bis zu rauminstallativ eingesetzten Werken wie an artificial barrier of blue, red and blue fluorescent light (to Flavin Starbuck Judd) werden im mumok die künstlerische Vielfalt und die Entwicklungsmöglichkeiten sichtbar, die Flavin der kommerziell verfügbaren Leuchtstoffröhre mit beeindruckender Konsequenz abzugewinnen verstand.

Mit der Wahl der Röhren als Werkmotiv und -material signalisiert Flavin die Annäherung der Kunst an die Alltags-und Konsumwelt. Ihre Präsentationsweisen folgen den Prinzipien minimalistischer Nüchternheit, die sie aber zugleich farbig überstrahlen. Die damit geschaffene Überwindung traditioneller Kunstgattungen und Werkformen besitzt bei Flavin ihre Vorstufe in den sogenannten icons (1961–1964), die den Bildkörper durch angeschraubte Glühbirnen und Leuchtstoffröhren entgrenzen. Die icons ersetzen die sakrale Bedeutung des Lichts durch ein profanes Leuchten, das an Lichtreklame und Zimmerlampen erinnert. Sie spiegeln mit der Befreiung von tradierter Lichtmystik auch die Selbstbefreiung des Künstlers von seiner religiösen Erziehung wider. Mit ihnen verwandelt sich das Bild zum leuchtenden Wandobjekt, bevor Flavin durch das Anbringen von Leuchtstoffröhren an neuralgischen Stellen des Raumes die letzten Reste gängiger Bildvorstellungen tilgt. Als erste Experimente Flavins mit künstlichem Licht zeichnen die icons den Weg vor, den er in der Folge mit den Leuchtstoffröhren konsequent weitergehen wird.

In the diagonal of may 25, 1963 (to Constantin Brancusi), 1963, wird erstmals und kompromisslos die Röhre zum Objekt luminöser Selbstinszenierung. Ohne jegliches Beiwerk entfaltet sie eine Leuchtkraft, die übliche Grenzziehungen zwischen Werk, Raum und Betrachter ebenso außer Kraft setzt wie die Trennlinie zwischen rationaler Form und poetischer Erscheinung.

Flavins Lichtarbeiten spielen nicht nur auf aktuelle Alltagserfahrungen an, sondern verweisen auch auf die Moderne, in der die Demokratisierung und Funktionalisierung der Kunst zur Veränderung der Gesellschaft angestrebt wurden. Deutlich wird dies, wenn die Röhren zu geometrischen Formen getürmt sind, wie in den “monuments”for V. Tatlin (ab 1964). Diese bis in die 1990er-Jahre fortgesetzte Werkserie bezieht sich auf den Entwurf eines unrealisierten Bürogebäudes des russischen Künstleringenieurs Vladimir Tatlin für die III. Internationale. Flavin verweist mit seinen “monuments” einerseits auf das Bekenntnis der Konstruktivisten zur Industrialisierung. Andererseits führen sie deren Einfluss auf Flavins eigene sowie die Material- und Formensprache der Minimal Art vor Augen.

Auch die in den Werktiteln angegebenen Widmungen an nahe Verwandte und Freunde sowie an Persönlichkeiten des Kunstbetriebes, politische Repräsentanten und historische Ereignisse spiegeln die Verschränkung künstlerischer und gesellschaftlicher Interessen bei Flavin wider. Darin unterscheidet er sich maßgeblich von Künstlerkollegen wie Donald Judd oder Robert Morris und der von ihnen ausgerufenen Programmatik der Minimal Art, die gegen alles Persönliche, Subjektive und Politische im Werk gerichtet war.

Einen Höhepunkt raumbezogener Lichtkunst in der Eingangsebene des mumok bilden die European Couples, deren Röhrenquadrate die Raumecken überblenden und die Betrachter gleich zu Beginn in imaginäre, ineinander verschwimmende Farbräume tauchen.

Gemeinsam mit den Lichtarbeiten werden Zeichnungen gezeigt, die zum einen den Prozess der Werkplanung und zum anderen Flavins bildnerische Sensitivität dokumentieren.

Die Ausstellung wurde von Rainer Fuchs kuratiert und entsteht in Zusammenarbeit mit dem Kunstmuseum St. Gallen und mit Unterstützung des Dan Flavin Estate und Stephen Flavin. Gerade die durch unterschiedliche Raumvorgaben in Wien und St. Gallen begründeten Abweichungen der Präsentationen machen Dan Flavins unerschöpflichen und zugleich präzisen Umgang mit verschiedenen Raum- und Architekturkonzepten erfahrbar.

mumok.at

her ARTic impression:

Die körperliche und visuelle Wahrnehmung erfährt in der Ausstellung Dan Flavin – Lights eine besondere Intensivität. So ist das Kunstwerk nicht nur die ausgestellte Leuchtstoffröhrenformation, sondern auch gleich der Raum den sie umgibt und die warme oder kalte Tonalität ausstrahlt. Der Betrachter wird in diesen vorbestimmten und nicht auszuweichenden Gefühlsraum förmlich gedrängt – ein Kunsterlebnis mit hohem Immersionscharakter.

Doch der Ausstellungsbesucher sucht verzweifelt nach einer höheren oder wenigstens klaren Deutung/Bedeutung in diesen sonst so herkömmlichen Alltagsgegenständen. Was wird hier überhaupt beleuchtet? Was soll dieser Leuchtstoffrahmen, der mich nichts zu sagen scheint? Nicht mal ein Bild, oder wenigstens ein Leuchtstoffröhrenspruch?

Naja, was steht denn da auf den Wänden… Aha… icons… Ikonen… aha, aha, jaja!

Manchmal ist es bereichernder, einfach nicht zu lesen was da auf den Wänden steht und blind/blöd in die Ausstellung zu gehen, sich vollkommen auf diese Objekte einzulassen, sich Zeit zu lassen, die alltägliche Funktion dieser Gegenstände zu entwenden und sich einfach mal in den weiten Räumen “bestrahlen zu lassen“ – ohne Informationsabsorption, ohne dringliche Aufforderung zum Konsum, ohne Hautkrebsrisiko – ohne etwas und einfach mit nichts.

Dem Pragmatiker zu kompliziert, dem Wissenschaftler ganz und gar unakademisch, dem Träumer und Ironiker gerecht?

Ich verlasse die Ausstellung nach einem netten Plausch mit dem Ausstellungsaufseher und schmunzle über die Leuchtstoffröhre in der U-Bahn.

Die Ausstellung ist noch bis 03.02.2013 im mumok zu sehen.

Dan Flavin Veranstaltungshinweis: Lecture mit Juliane Rebentisch, Freitag, 23. November 2012, 19 Uhr – Anlässlich der Ausstellung Dan Flavin – Lights beschäftigt sich Juliane Rebentisch, Kunsttheoretikerin und Philosophin an der Hochschule für Gestaltung in Offenbach am Main, in ihrer Lecture mit Flavin als einem der bedeutendsten Vertreter der amerikanischen Minimal Art. Sie fragt danach, wie das Verhältnis von Kunst und Design, von Werk und Situation, Singularität und Serialität, Transzendenz und Ironie, Subjekt und Objekt heute gedacht werden muss und was aus zentralen ästhetischen Kategorien wie jenen des Schönen und des Erhabenen im Industriezeitalter wird. Und schließlich, durch all diese Fragen hindurch: So evident dieser zuvor genannte Eindruck im Falle von Flavins Arbeiten zunächst sein mag –wie kann ihre Präsenz näher bestimmt werden?

JAMIE ALLEN – Cum on Feel the Noize

Recently I stumbled upon continent.  an academic journal, which exists to promote and explore thinking across a variety of media, and as such welcomes a range of submissions including text and scholarly articles as well as images (still and moving), poetry, fiction, sound, and other media.

One article from artist-researcher Jamie Allen responded to a growing interest of mine – using noise in art practice.

Jamie Allen sees noise signals as simultaneous synthesis and analysis of spaces, subjects and relations and a way of learning about the world through perturbation — exploration by incitement and speculation of possible conditions. Read the entire article on continentcontinent.com.

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Of course, at first, it will sound annoying, of course you won’t immediately appreciate it. That’s what makes it so interesting. Try to examine your perception and reaction to it while watching the movements of the small particles and patterns correlative to the sound/noise. I think it’s beautiful.

DAVID LETELLIER – Caten

In the last days I was looking for some art to completely jump into it, feel the immersion and leave all (sometimes stupid and senseless) words and theory behind, to which I’m surrounded on almost daily basis. I found this beautiful piece of art from french media artist David Letellier called „Caten“. Unfortunately I haven’t seen it in real life, but it amazed me straight away. You can find the description of the artwork on his website davidletellier.net and have a look at his other works which are absolutely worth seeing/understanding.

Created for the Saint Sauveur chapel in Caen, Caten is a levitating sculpture, determined by gravity and guiding the evolution of a sound composition.
300 fine wires suspended from two ropes, connected themselves at each end to a slowly rotating arm, form an evanescent surface which interacts with the architecture.
By a symbolic mirror effect, the curves of the wires, created by the gravitational force, reflect the shapes of the church arches. Caten opposes the ephemeral to the eternal, the movement to the static, and produce a tension between the lightness and the millenary stability of the space.
The sound composition is inspired by the medieval solmisation prayers, especially the first verse of „Ut Queant Laxis“, also known as the „hymn to St John the Baptist“, used in the eleventh century to determine the names of the notes of the scale used in latin countries.
At each turn, the engines emit one of the first 4 notes of the scale (Ut, Re, Mi, Fa), creating a sequence of intervals, constantly reconfigured. Low frequencies resonate in the space and emphazise the transcendental character of a place once dedicated to faith.
The name is derived from the term catenary, which describes the plane curve formed by a rope hanging between two points.

dOCUMENTA (13) @ Kassel, DE

Zeit zu verschnaufen, Zeit zu schreiben. Der Sommer war äußerst ereignisreich, mein Kunsthighlight die dOCUMENTA (13) in Kassel.

Die weltweit bedeutendste Ausstellungsreihe, die seit 1955 alle fünf Jahre stattfindet, definiert die diesjährige Kuratorin der documenta Carolyn Christov-Bakargiev:

„Die dOCUMENTA (13) widmet sich der künstlerischen Forschung und Formen der Einbildungskraft, die Engagement, Materie, Dinge, Verkörperung und tätiges Leben in Verbindung mit Theorie untersuchen, ohne sich dieser jedoch unterzuordnen.

Dabei handelt es sich um Gebiete, in denen Politisches untrennbar ist von einem sinnlichen, energetischen und weltgewandten Bündnis zwischen der aktuellen Forschung auf verschiedenen wissenschaftlichen und künstlerischen Feldern und anderen, historischen ebenso wie zeitgenössischen Erkenntnissen.

Die dOCUMENTA (13) wird von einer ganzheitlichen und nichtlogozentrischen Vision angetrieben, die dem berharrlichen Glauben an wirtschaftliches Wachstum skeptisch gegenübersteht. Diese Vision teilt und respektiert die Formen und Praktiken des Wissens aller belebten und unbelebten Produzenten der Welt, Menschen inbegriffen.“ (Carolyn Christov-Bakargiev in Das Begleitbuch/The Guidebook dOCUMENTA (13) S.2).

Die Kunst soll sich nach dieser Erklärung ihrer eindeutigen Ordnung und Begrifflichkeit entziehen. Eine Zentrierung wird negiert, so auch in lokaler Hinsicht. Die diesjährige documenta spielte sich neben Kassel in Kabul & Bamiyan (Afghanistan), Alexandria & Kairo (Ägypten) und Banff (Kanada) ab.

Die Frage nach dem was Kunst ist, musste man sich sprichwörtlich erarbeiten, denn nach klaren Definitionen konnte man dort vergeblich suchen. So stellte man sich oft die Frage, was nun Teil der Ausstellungsreihe dOCUMENTA (13) sei, vor allem wenn sie nicht in geschlossenen Räumen gezeigt wurde: zwei Hunde mit jeweils einem pink bemaltem Bein (Pierre Huyghe)? Der Windzug im Fridericianum (Ryan Gander)? Die Erdatmosphäre als Unesco-Welterbe (Amy Balkin)? Oder doch gleich wir selbst (tanzend, singend, sich wundernd bei Tino Sehgal)?

„Es ist dieser Moment, um den die Documenta kreist: Sie glaubt an die Badewannen-Erfahrung, an die Begegnung mit den Dingen. Denn in den Dingen ist etwas verwahrt, eine Geschichte oder eine Empfindung. Und deshalb sollen wir uns ihnen hingeben, uns in sie hineinversetzen, vorstellungshalber. So könnte das neue Denken beginnen: mit einem Akt der Einfühlung.“ (zeit.de Artikel „Lost in Kassel“ von Hanno Rauterberg)

In den Dingen Leben zu erkennen, lässt dann doch an einen bestimmten Begriff denken:   Animismus (und an die Ausstellung des letzten Winters in der Generali Foundation Animismus. Moderne hinter den Spiegeln).

In einer „Reaktivierung des Animismus“, wie sich in der Ausstellung der Generali Foundation thematisiert wurde, geht es um die Fragen, ob die westliche Vorstellung von Leben, Seele, Glaube, etc. sich als „Prozesse von Subjektivierung und Objektivierung denken lassen, wo die Subjekt/Objekt Relation in Frage gestellt wird. Ein relevanter Gedanke angesichts der heutigen technologischen oder biogenetischen Möglichkeiten und Entwicklungen.

Auch wenn die dOCUMENTA (13) diese Gedanken nicht konkret ausspricht, so scheinen sie doch mitzuschwingen. Doch viel wichtiger in ihrer Definition scheint dieser vollkommene fast zwanghafte Entzug einer solchen. Und wer trägt die Verantwortung? Natürlich war es nicht ganz so führungs- und ordnungslos. Für alles Gute und Schlechte durfte man Carolyn Christov-Bakargiev die Schuld zuweisen (was die Presse und Besucher dann größtenteils auch taten).

In der Stimmung der Kunsterfahrung lag etwas Unbekümmertes. Vor allem seitens der Besucher spürte man eine Ungezwungenheit. Niemand will hier einem etwas verkaufen, niemand will hier einem eine neue Weltordnung aufzwingen – oder zumindest nicht direkt. Die Kunst schien sich in „eine Form lebender Kultur (zu) erfahren, als Bestandteil des Alltags“ (Carolyn Christov-Bakargiev).

Als lebend wird die Kultur/Kunst nur empfunden, wenn man sie selber zum Leben erweckt beziehungsweise versucht sich auf sie einzulassen. Das braucht Zeit. So schien es mir absolut unmöglich die dOCUMENTA in zwei Tagen abzulaufen. Nicht um der Willen jedes Kunstwerk zu examinieren, sondern um ein Gefühl des Einlebens, auch in der Stadt selbst, herzustellen (für den neuesten Schrei bitte suchen sie die nächstbeste Kunstmesse auf).

Dieses Phänomen Teile der Stadt selbst und ihre Bürger und Mitmenschen in ein temporäres Kunstfeld zu umwandeln, machte den besonderen Charakter der dOCUMENTA aus. Gehetzt, gedrängelt wurde nicht, so spielte das Schlangestehen auch keine große Rolle, da man sich schnell mit den Nachbarn aus aller Welt zu unterhalten begann und die jeweiligen Erlebnisse und Eindrücke austauschte.

„Es ist das Wagnis, die getrennten Sphären miteinander zu befreunden: den Widersinn und die Ratio, die Geister und den Geist, die Poesie und das Politische.“ (H.R.)

XL Kunst in XS Monaco

Das Grimaldi Forum, das Kulturzentrum Monacos, zeigt diesen Sommer in Kooperation mit dem Centre Pompidou die Ausstellung „Extra Large“. Ausgestellt werden vor allem großformatige, monumentale Werke aus der zeitgenössischen und modernen Kunstsammlung des berühmten Pariser Museums. Bekannte Künstlerpersönlichkeiten wie Joan Miró, Jean Dubuffet, Pierre Soulages, Frank Stella, Sam Fancis oder Yan Pei-Ming werden im Konzept der Monumentalität mit ihren XL-formatigen Gemälden präsentiert. Neben den zweidimensionalen Werken enthält die Ausstellung vor allem raumgreifende Skulpturen und Installationen u.a. von Joseph Beuys, Christian Boltanski, Daniel Buren, Sol LeWitt, Anish Kapoor und Bill Viola – insgesamt 4000 m² für 40 Werke.

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her ARTic impression:

Grob gesagt beinhaltet das Ausstellungskonzept XL Werke (und Künstler, im Sinne ihres Bekanntheitsgrades) in XS Monaco zu präsentieren. Monaco ohne Luxus und Spektakel vorstellbar? Mais bien sûr que non!

Es hat mich besonders gefreut all diese, im Raum wohl rhythmisierte, Kunst von so bekannten Namen des 20. Jh. zu sehen, und das gleich alles auf einem Haufen – das letzte Mal hatte ich dieses Vergnügen… oh… ja… im Centre Pompidou!

Der Charakter einer Überblicksausstellung dominierte, kritische Gehirnmasse Fehlanzeige – nicht seitens der Werke selbst, sondern seitens des Ausstellungskonzeptes. Kind of Notorious Big – mais quand même, bravo et merci Monaco – die Kunst war ein genussvoller Augenschmaus.

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Fotos: montecarlodailyphoto.com & eternal-optimist.com