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PERFEKT WORLD „Jesus Christ Super Sale“ @ PERFEKT BOX, MQ


„The present age prefers the sign to the thing signified, the copy to the original, fancy to reality, the appearance to the essence… for in these days illusion only is sacred, truth profane.“ – Ludwig Andreas Feuerbach

In time for the final stretch of the Christmas shopping madness PERFEKT WORLD put on their first group exhibition in their new contemporary space PERFEKT BOX at the MQ in Vienna.

An exhibition, a Christmas market, a holy spirited special offer – „Jesus Christ Super Sale“ is an examination of the cultural and commercial phenomenon of Christmas and how it has gone from religious tradition to a celebration of commerce. 10 artists visualize their positions in the form of buyable objects

Artists: Boicut + Zwupp! //  Die Luntisten // Wald & Schwert // Lumpenpack + Mafia // Paul Busk // PERFEKT WORLD // Tobias Held + Michael Tripold (Atzgerei) // Soybot // Nize // Josef Wurm

her ARTic impression:
As usual the art collective PERFEKT WORLD suprises with it’s special kind of criticism and humor by provoking their audience with a mixture of sarcasm and trashy pop-cultural banality. It seems as if they are laughing at this whole Christmas shopping madness by turning the exhibition into a christmas art market itself and at the same time managing to show the biggest spacial and artistic potential with a variety of local artists in this little box.
The exhibition runs till 23.12.2012. Make sure to check it out!

Photos by Dimitri Aschwanden. More on artpjf fb album.

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How does sound move?

Daniel Palacios, Spanish multimedia artist, gives us one the most authentic demonstration of the visualisation of moving sound. The art work called „Waves“ is made up of a long piece of rope generating 3D waves, which are floating in space by the physical action of its movement. At the same time those visual waves create a typical sound by cutting through the air. The movement of the rope is affected by the audience which moves around the installation, generating visual and acoustic sound waves from harmonic patterns to complex ones.

An absolutely astonishing and beautiful installation. Hope I get to see it live some day.

Enjoy the video.





Interview with ANTHONY GERACE (project Fig. 1-99)

Anthony Gerace, visual artist and photographer, wrote me an email couple of days ago and I had the chance to take a closer look on his work.

I am especially interested in his work series „Fig. 1-99“, hundred colour studies on paper sourced from 60s, 70s magazines such as Life, Playboy, Time, Popular Mechanics etc.

I enjoy this fragmentation of colour and combination of forms. The collage pieces definied by their outlines appear as abstract forms with words/letters giving away their identity – their combination only predicted by their specific colour chosen from the magazines.
And still, there is enough space to bring those pieces to life; at one point, you start to recognize those stripped motives seeing contours of women, hands, breasts,… some appear more vivid, others less. At the end it’s all about the uniqueness of a single piece.

I asked Anthony some questions to know more about him and his work. Enjoy the interview.

artpjf: Please introduce yourself briefly.

Anthony Gerace: My name is Anthony Gerace, I’m a photographer and collage artist based in London. I moved here recently to pursue work in graphic design, but for the past ten years have lived in Toronto.

artpjf: I am especially interested in your work series „Fig. 1-99“ – hundred colour studies on paper sourced from 60s, 70s magazines. The collages don’t seem specifically arranged. How do you know when to come to an end? What role does coincidence play in your work?

A.G.: I conceived the series, near the beginning, as having a defined ending (100 was always the goal). But within that, while there was no specific arrangement to speak of, there were certain instances where pairings or runs of images were important. Especially in the centre of the series, where Fig. 50 is split in two to show the potential (and main point, really) of the project: that each piece was unique not only in composition but also in tonality, and that even if I kept an obvious visual cue (the „and the“ typography) it would still result in a very different piece just on accounts of the paper. There were also certain pieces that were made with the intention of going in certain places in the series: though I made „Fig. 99“ long before I finished, I knew it was going to be the final image, mainly because I think it sums things up well. Likewise, there was always meant to be more and more multi-coloured studies as the series went along. Though I always found these less satisfying. So while I didn’t know how the entirety would look, I did know what it would be.

artpjf: As a graphic designer does your commercial practice influence your art practice? Do you separate those practices? Or is it just „the same“?

A.G.: I’d say both practices influence each other. For a long time I tried to integrate my collage work into my graphic design, but as I thought about it more I realized that that had the side effect of cheapening the collages and making them look more like process than their own entity. I do think that the methodologies of both practices have influenced one another for the better: when designing, I can’t help seeing myself as collaging, just not collaging paper and doing it digitally, while, when making collages, the implications of typography and tone factor in more because of how my design education has influenced me. They’re definitely not the same, and I do keep them separate, but I don’t think they’d exist without each other.

artpjf: Upcoming projects?
A.G.: I have quite a few projects on the go at the moment! I’m in the last stages of a series called „People Living“ which is a return to more traditionally figure based collage. I started that one when I was still working on the colour studies, and it acted as much as a foil to that work as it did it’s own thing. I’m also working on two new projects, both of which are untitled and both of which are continuing some of the more abstract work I’ve been doing and are the next step out from the colour studies. And I just started a body of work that I’m calling „There Must Be More to Life Than This“, which is a series of frustratingly intricate grid collages. I think there’ll end up being a hundred of them at varying sizes. And as always the portraits are a constant. I’m really excited to be able to make work, and to keep doing this and find people interested. It’s the best feeling.
artpjf: Thank you, Anthony!

Some other collages I appreciate too…

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JAMIE ALLEN – Cum on Feel the Noize

Recently I stumbled upon continent.  an academic journal, which exists to promote and explore thinking across a variety of media, and as such welcomes a range of submissions including text and scholarly articles as well as images (still and moving), poetry, fiction, sound, and other media.

One article from artist-researcher Jamie Allen responded to a growing interest of mine – using noise in art practice.

Jamie Allen sees noise signals as simultaneous synthesis and analysis of spaces, subjects and relations and a way of learning about the world through perturbation — exploration by incitement and speculation of possible conditions. Read the entire article on





Of course, at first, it will sound annoying, of course you won’t immediately appreciate it. That’s what makes it so interesting. Try to examine your perception and reaction to it while watching the movements of the small particles and patterns correlative to the sound/noise. I think it’s beautiful.

dOCUMENTA (13) @ Kassel, DE

Zeit zu verschnaufen, Zeit zu schreiben. Der Sommer war äußerst ereignisreich, mein Kunsthighlight die dOCUMENTA (13) in Kassel.

Die weltweit bedeutendste Ausstellungsreihe, die seit 1955 alle fünf Jahre stattfindet, definiert die diesjährige Kuratorin der documenta Carolyn Christov-Bakargiev:

„Die dOCUMENTA (13) widmet sich der künstlerischen Forschung und Formen der Einbildungskraft, die Engagement, Materie, Dinge, Verkörperung und tätiges Leben in Verbindung mit Theorie untersuchen, ohne sich dieser jedoch unterzuordnen.

Dabei handelt es sich um Gebiete, in denen Politisches untrennbar ist von einem sinnlichen, energetischen und weltgewandten Bündnis zwischen der aktuellen Forschung auf verschiedenen wissenschaftlichen und künstlerischen Feldern und anderen, historischen ebenso wie zeitgenössischen Erkenntnissen.

Die dOCUMENTA (13) wird von einer ganzheitlichen und nichtlogozentrischen Vision angetrieben, die dem berharrlichen Glauben an wirtschaftliches Wachstum skeptisch gegenübersteht. Diese Vision teilt und respektiert die Formen und Praktiken des Wissens aller belebten und unbelebten Produzenten der Welt, Menschen inbegriffen.“ (Carolyn Christov-Bakargiev in Das Begleitbuch/The Guidebook dOCUMENTA (13) S.2).

Die Kunst soll sich nach dieser Erklärung ihrer eindeutigen Ordnung und Begrifflichkeit entziehen. Eine Zentrierung wird negiert, so auch in lokaler Hinsicht. Die diesjährige documenta spielte sich neben Kassel in Kabul & Bamiyan (Afghanistan), Alexandria & Kairo (Ägypten) und Banff (Kanada) ab.

Die Frage nach dem was Kunst ist, musste man sich sprichwörtlich erarbeiten, denn nach klaren Definitionen konnte man dort vergeblich suchen. So stellte man sich oft die Frage, was nun Teil der Ausstellungsreihe dOCUMENTA (13) sei, vor allem wenn sie nicht in geschlossenen Räumen gezeigt wurde: zwei Hunde mit jeweils einem pink bemaltem Bein (Pierre Huyghe)? Der Windzug im Fridericianum (Ryan Gander)? Die Erdatmosphäre als Unesco-Welterbe (Amy Balkin)? Oder doch gleich wir selbst (tanzend, singend, sich wundernd bei Tino Sehgal)?

„Es ist dieser Moment, um den die Documenta kreist: Sie glaubt an die Badewannen-Erfahrung, an die Begegnung mit den Dingen. Denn in den Dingen ist etwas verwahrt, eine Geschichte oder eine Empfindung. Und deshalb sollen wir uns ihnen hingeben, uns in sie hineinversetzen, vorstellungshalber. So könnte das neue Denken beginnen: mit einem Akt der Einfühlung.“ ( Artikel „Lost in Kassel“ von Hanno Rauterberg)

In den Dingen Leben zu erkennen, lässt dann doch an einen bestimmten Begriff denken:   Animismus (und an die Ausstellung des letzten Winters in der Generali Foundation Animismus. Moderne hinter den Spiegeln).

In einer „Reaktivierung des Animismus“, wie sich in der Ausstellung der Generali Foundation thematisiert wurde, geht es um die Fragen, ob die westliche Vorstellung von Leben, Seele, Glaube, etc. sich als „Prozesse von Subjektivierung und Objektivierung denken lassen, wo die Subjekt/Objekt Relation in Frage gestellt wird. Ein relevanter Gedanke angesichts der heutigen technologischen oder biogenetischen Möglichkeiten und Entwicklungen.

Auch wenn die dOCUMENTA (13) diese Gedanken nicht konkret ausspricht, so scheinen sie doch mitzuschwingen. Doch viel wichtiger in ihrer Definition scheint dieser vollkommene fast zwanghafte Entzug einer solchen. Und wer trägt die Verantwortung? Natürlich war es nicht ganz so führungs- und ordnungslos. Für alles Gute und Schlechte durfte man Carolyn Christov-Bakargiev die Schuld zuweisen (was die Presse und Besucher dann größtenteils auch taten).

In der Stimmung der Kunsterfahrung lag etwas Unbekümmertes. Vor allem seitens der Besucher spürte man eine Ungezwungenheit. Niemand will hier einem etwas verkaufen, niemand will hier einem eine neue Weltordnung aufzwingen – oder zumindest nicht direkt. Die Kunst schien sich in „eine Form lebender Kultur (zu) erfahren, als Bestandteil des Alltags“ (Carolyn Christov-Bakargiev).

Als lebend wird die Kultur/Kunst nur empfunden, wenn man sie selber zum Leben erweckt beziehungsweise versucht sich auf sie einzulassen. Das braucht Zeit. So schien es mir absolut unmöglich die dOCUMENTA in zwei Tagen abzulaufen. Nicht um der Willen jedes Kunstwerk zu examinieren, sondern um ein Gefühl des Einlebens, auch in der Stadt selbst, herzustellen (für den neuesten Schrei bitte suchen sie die nächstbeste Kunstmesse auf).

Dieses Phänomen Teile der Stadt selbst und ihre Bürger und Mitmenschen in ein temporäres Kunstfeld zu umwandeln, machte den besonderen Charakter der dOCUMENTA aus. Gehetzt, gedrängelt wurde nicht, so spielte das Schlangestehen auch keine große Rolle, da man sich schnell mit den Nachbarn aus aller Welt zu unterhalten begann und die jeweiligen Erlebnisse und Eindrücke austauschte.

„Es ist das Wagnis, die getrennten Sphären miteinander zu befreunden: den Widersinn und die Ratio, die Geister und den Geist, die Poesie und das Politische.“ (H.R.)

Untitled (Memory is your image of perfection)

Barbara Kruger, Untitled (Memory is your image of perfection)

TATE Gallery of Lost Art

The Gallery of Lost Art ist eine online Ausstellung, die die Geschichten verschollener Kunstwerke aufdeckt. Begonnen am 2. Juli 2012 zeigt die einjährige virtuelle Galerie einige der wichtigsten Werke der letzten 100 Jahre von mehr als 40 Künstlern der Moderne u.a. von Marcel Duchamp, Joan Miró, Willem de Kooning oder Tracey Emin.

Kuratiert von Tate und entworfen von ISO Studios erforscht die Online Galerie die moderne Kunstgeschichte aus einem völlig neuen Blickwinkel.  Abseits der musealen Sammlung der Institutionen existieren die verschwundenen Kunstwerke lediglich im virtuellen Raum, präsentiert durch erhaltene Fotografien, oftmals nicht in bester, wie heutzutage sonst gewohnter, Qualität.

Ein interessantes Projekt mit genügend Platz für Interaktionen und Diskussionen.


Curbs & Stoops & Rhythmology have they first pop-up exhibition in New York – “Las Noticias,” (The news in Spanish), a solo exhibition by Mexican-American artist, Francisco Moreno. Curated by lovely art accesible missionary Jeffrey Pena (interview with artpjf).

In his paintings, murals and installations Moreno explores notions of American identity and iconography. He uses a graphic language of black and white camouflage as a metaphor for assimilation into foreign environments and foreign conditions. Throughout his work, Moreno considers the process of assimilation for immigrants as they contemplate immersion into American culture.

The artist shares, “I want to examine the images, reality, or sheer absurdity of what America considers news. A headline attempts to capture how we function in society now.” No catastrophy falls out of the realm of representation.

Opening Friday July 20, Avenue Westbury NY. For more info visit

Critique d’art


Gabriel Cornelius von Max (1840-1915), Affen als Kunstrichter, 1889

Richard Serra, Interviews, Etc., 1970-1980


“Sensibility is inclusive and precedes analytic awareness”- anonymous


In San Francisco they, „Flash on it.“