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Interview mit Street Art Kunstsammlerin Isabel Königsstetter

Isabel Königsstetter, eine passionierte Street Art Sammlerin aus Wien, hat sich vor einiger Zeit bereit erklärt mir ihre mit Leidenschaft gefüllte Kunstsammlung zu demonstrieren. Ich kenne Isabel aus eins der vielen INOPERAbLE Vernissagen und wusste, dass sie „Stammkundin“ der Galerie ist. Bei einem ersten Besuch in ihr trautes Heim sprachen wir über das Paradoxon Straßenkunst in seine eigene vier Wände zu stellen, die letzte große Street Art Ausstellung im MOCA in L.A. und die nächsten upcoming artists in der Street Art Szene. Ein Nachmittag ganz einer Diskussion über Street Art und Co. gewidmet – besser geht’s nicht.

Fotos von Dimitri Aschwanden

artpjf: Wieso Street/Urban Art? Ist es nicht, rein begrifflich gesehen, ein Widerspruch in sich Kunst von der Straße zu sammeln?

I.K: Begrifflich vielleicht, aber das spielt keine große Rolle für mich. Nicht alle gehen den Weg in die Galerien oder bieten gerahmte Kunst zum Verkauf an; ich denke es ist gut und wichtig, wenn es auch solche Street Artists gibt. Aber ich freu mich dennoch und finde es spannend, wenn es manche in die Galerien schaffen und dort Anerkennung für ihre Arbeiten erlangen und imstande sind mit ihrer Kunst Geld zu verdienen. Darum geht es ja hauptsächlich.
artpjf: Wieso keine normale, renommierte zeitgenössische Kunst aus renommierten zeitgenössischen Galerien?

I.K.: Das würde meinen Rahmen sprengen. Wenn ich mich auch noch für ‚klassische’ zeitgenössische Kunst interessieren würde, hätte ich Angst, mich komplett darin zu verlieren.. Mein Herz schlägt für Street Art, Kunst die außerhalb diesem zeitgenössischen Kunstmechanismus steht.
artpjf: Würdest du ein Piece von einem Street Artist aus der Wand reißen oder auf eine andere entfernen, um es bei dir aufzuhängen?

I.K.: Niemals! Das wäre Diebstahl an der Gesellschaft. Die Kunst sollte frei zugänglich und für jede/n sichtbar sein. Ich finde auch den Aspekt der Vergänglichkeit wichtig für Street Art; dass die Werke mit der Zeit ihre Farbe verlieren oder darüber gemalt wird. Das gehört zu den Spielregeln dazu, das nehmen die Künstler auch in Kauf.


artpjf: Sollte deiner Meinung nach Straßenkunst legalisiert werden?

I.K.: Absolut. Aber tags sollten ebenfalls Teil davon sein, auch wenn das viele als reine Schmiererei empfinden und als unschön betrachten – tags gehören dazu.

artpjf: Was sagst du zur Ausstellung „Art in the Streets“ die von April bis August 2011 im MOCA in LA lief? Man hat in dieser Ausstellung versucht Street Art und Graffiti in einen historischen Kontext zu stellen und hat dabei unterschiedliche Positionen internationaler Street und Graffiti Artists gezeigt. (Bericht zur Ausstellung auf stylemag-online.net)

Der Dokumentarfilm der Ausstellung OUTSIDE IN, das im Gegenpart zum bekannten Street Art Kurzfilm INSIDE OUTSIDE steht (mehr dazu im Artikel From Graffiti to Street Art @ Urban Art Galerie INOPERAbLE Wien), zeigt den Aufbau der Ausstellung, sowie die unterschiedlichen Statements der Künstler und die Reaktionen der Museumsbesucher. Wie hast du auf den Film beziehungsweise die Ausstellung reagiert?

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I.K.: Mir sind die Tränen gekommen. Es war Wahnsinn all diese wichtigen und unterschiedlichen Künstler zusammen in einem Museum zu sehen. Die Geschichte mit Jeffrey Deitch und Blu kann man sehen wie man will… ist eine arge Aktion… aber ich verstehe beide Seiten.

artpjf: Was ist da genau passiert?

I.K.: Jeffrey Deitch ist ja der neue Leiter vom MOCA. Er hat Blu beauftragt die Rückwand vom MOCA zu bemalen und war aber zu der Zeit nicht in der Stadt. Blu hat dann zusammen mit seinen Helfern begonnen ein massives Panorama von Särgen drapiert mit Dollar Scheinen zu malen. Das Problem war, dass gegenüber vom Museum das L.A. Veterans‘ Affair Hospital war, sowie das Go For Broke Monument, das zu Ehren der japanischen und amerikanischen Soldaten des Zweiten Weltkriegs. Als Jeffrey Deitch dann zurückgekommen ist, war Blu noch nicht mal fertig mit der Arbeit. Sofort ließ man die Wand übermalen und Blu wusste nichts davon. Das war das große Skandal rund um diese Ausstellung.

Blu ist bekannt dafür, dass er so provokante Sachen malt und es gab dann eine riesen Medientrubel rund um diese Sache. Die nächste Katastrophe war, dass KATSU, ein amerikanischer Künstler, der mit Feuerlöschern seine tags macht, erwischt und verhaftet wurde, und einige andere wie Space Invader.

Das Konzept an sich, die Geschichte von Graffiti und Street Art in der Ausstellung zu zeigen, finde ich ganz toll. Das Video zeigt die Aufbautage, wie sie sich alle treffen und alle wochenlang an dieser Ausstellung nebeneinander arbeiten. Swoon, Os Gemeos zum Beispiel haben alle ihre Wunderwelten aufgebaut, das war fantastisch! Ich find‘s toll, dass diese Kunstbewegung es in ein so großes Museum geschafft hat. Für mich ist die Graffiti und Street Art Bewegung das größte „Kunst Movement“ seit Pop Art. Es ist riesig und es hat es auch verdient, gezeigt zu werden. Es trägt vor allem auch zum Verständnis bei. Das war sicher aufklärend.

artpjf: Was sind die Schwierigkeiten beim Erwerb von Street/Urban Art Werken?

I.K.: Es ist oftmals schwierig limited Edition Drucke von bekannten Künstlern zu erwerben. Das kann manchmal ziemlich aufregend sein, wenn zum Beispiel die Stückzahl so gering ist, dass die Stücke innerhalb von 3 Minuten ausverkauft sind. Manche Künstler stellen dann nicht in Galerien aus, sondern verkaufen eben ab und an Drucke, weil sie Kohle Geld brauchen. Es ist dann vielmehr eine Glückssache, ob man sein Stück bekommt.

artpjf: Hast du alle Künstler mal persönlich kennengelernt? Ist dir dieser Aspekt wichtig?

I.K.: Ein paar kenn ich persönlich, aber nicht alle. Im Grunde genommen ist mir das überhaupt nicht wichtig. Man hat so seine Vorstellungen von den Künstlern… Ich bin da schon ein paar Mal enttäuscht worden. Wichtig ist mir vielmehr das Kunstwerk an sich.


artpjf: Wie siehst du die weitere Entwicklung dieser Kunstform? Einige Galerien haben sich bereits im Laufe der Jahre etabliert und ihr Klientel gebildet (aus unterschiedlichsten sozialen Schichten). Der Kunstmarkt ist schon seit einiger Zeit auf den Street Art Zug angesprungen, man denke zum Beispiel an die Banksy Auktionen in Sotheby’s. Es gibt sogar schon Urban Art Kunstmessen wie die STROKE in Deutschland. Alles nur ein Hype oder doch eine ernst zu nehmende Kunstentwicklung?

I.K.: Ich find es gut, dass Street Art sich in den Galerien etablieren konnte und viele Street Artists sich einen Namen gemacht haben und als Künstler Anerkennung verdienen konnten. Momentan hat man das Gefühl die Entwicklung würde ein bisschen schlafen, der große Hype ist jetzt mal wieder vorbei. Aber ich denke, dass Street Art nicht nur als Hype anzusehen ist, sondern als eigenständige Kunstentwicklung.

artpjf: Welche Ansätze sind dir beim Sammeln der Kunstwerke besonders wichtig? Geht es
allein um den Bekanntheitswert des Künstlers, dem Stück selbst oder hast du eine bestimmte
Sammlerstrategie?

I.K.: Es ist eigentlich ganz einfach, ich kaufe immer das was mir gefällt. Wie man sieht, sind nicht alle Werke von renommierten Künstlern, obwohl ich von ein paar Bekannteren auch gerne was habe. Ich habe eigentlich keine bestimmte Sammlerstrategie. Für mich ist aber die künstlerische Entwicklung eine wichtige Sache. Es sollte nicht immer dasselbe sein, obwohl ich auch verstehen kann, dass es bei vielen Street Art Künstlern dazu beiträgt ihre Marke zu bewahren und möglichst schnell und einfach wiedererkannt zu werden. Bei ROA zum Beispiel, habe ich das Stück eher gekauft, weil es eben ein ROA ist und er als ein wesentlicher Part der Street Art Geschichte zu betrachten ist. Aber meine Käufe sind ansonsten, denk ich, meistens emotional: entweder es berührt mich und ich will es unbedingt haben, oder eben nicht.


artpjf: Was machst du wenn dir mal der Platz in der Wohnung fehlt? Würdest du Stücke
weiterverkaufen?

I.K.: Das Problem habe ich jetzt schon, aber ich habe mir nie Gedanken darüber gemacht… Vielleicht eine größere Wohnung suchen?


artpjf: Welche Künstler denkst du werden demnächst groß rauskommen?

I.K.: Ich denke Aryz, Jaz und Other sind gut dabei. Da bin ich auf ihre Weiterentwicklung sehr gespannt.

artpjf: Schon Ideen für die nächsten Anschaffungen?

I.K.: Von Miss Bugs und Peru Ana Ana Peru möchte ich unbedingt noch etwas haben.

artpjf: Vielen Dank für die Einladung und das Gespräch!

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Gourmandise parisienne – erste Eindrücke von Paris

Prochain arrêt: fiac – Foire Internationale d’Art Contemporain – Paris

Ein langes Wochenende werde ich in meine Lieblingsstadt Paris verbringen und unter anderem die vom 20. bis 23. Oktober stattfindende fiac – Kunstmesse für internationale zeitgenössische Kunst im Louvre – besuchen. À bientôt Vienne, me voilà Paris!

NORBERT ARTNER – Studios

Seit knapp vier Jahren arbeitet der österreichische Künstler Norbert Artner an einem Werkkomplex von fotografischen Bildern über Ateliers. Ausgangspunkt seiner Werke ist ein dreifaches Interesse an die Produktionsbedingungen von Kunst: die unterschiedlichen künstlerischen Arbeitsweisen und Zugänge, die atmosphärische Wirkung der Ateliers und der experimentelle Charakter der Orte. Sein Ziel sind Aufnahmen, die im Prozess ihrer Entstehung selbst ein Äquivalent zum Thema Atelier bilden. Mehr auf norbertartner.com.

MUMOK Neueröffnung/Museum der Wünsche

Das mumok präsentiert sich nach dem Umbau neu: Neben notwendigen
Sanierungen der Terrazzoböden wurden architektonische Maßnahmen für mehr
Funktionalität im Museumsbetrieb umgesetzt. Kernstück stellt das neue, von Heimo Zobernig und Michael Wallraff gestaltete mumok kino dar. Die Integration von Künstlerinnen und Künstlern war für mumok-Direktorin Karola Kraus ein wesentliches Anliegen bei der Planung des Umbaus.

„Das mumok hat in nahezu 50 Jahren eine eindrucksvolle Sammlung aufgebaut, die in Österreich eine zentrale Rolle im Bildungs- und Kulturgeschehen spielt und dem internationalen Vergleich mit anderen großen Häusern in Qualität und Profil standhält.

Die Sammlung ist Grundlage und Herausforderung für die gegenwärtige und zukünftige Museumspolitik. Mit dem Museum der Wünsche wird die Sammlung einer physischen Inventur unterzogen und jenen Werken gegenübergestellt, die in Zukunft herausfordernder Teil der Sammlung werden sollen.

Die Ausstellung soll nicht die Kunstgeschichte von A bis Z vorführen, die Arbeiten chronologisch fein säuberlich und endgültig auffädeln. Ich möchte vielmehr durch thematische Konstellationen und generationsübergreifende Gegenüberstellungen neue Sichtweisen auf die Kunstgeschichte vorschlagen, in die wir selbst mit unseren Meinungen, Interpretationen und Bewertungen involviert sind.

Wie die Aufstellung der Sammlung im Museum der Wünsche zeigt, beruht die Lebendigkeit und Aktualität einer Sammlung auf dem permanenten Austausch und dem kontinuierlichen Dialog zwischen dem Bestehenden und dem Neuen, zwischen den internen Gegebenheiten und dem von außen Kommenden.“ (Karola Kraus)

(Quelle: Presse mumok)

Fotos von Dimitri Aschwanden. Mehr auf facebook und flickr.

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Karola Kraus weist mit „Museum der Wünsche“ in die Zukunft. Gleichzeitig erinnert sie auf das bereits Vorhandene. Sie zeigt die Möglichkeiten zu einer Erweiterung, einem Vorankommen zur Anleitung neuer Diskurse. Ihre „ankaufsstrategischen Zielsetzungen“ sind dabei interessant zu beobachten.

Man darf gespannt sein, wie es weiter geht. Ich jedenfalls freue mich schon auf die kommenden Diskussionen, Performances und ganz besonders auf das Filmprogramm vom 05.10 bis 20.10 im neuen Kino-Saal.

ROA hits VIENNA [Decomposition @ Inoperable Gallery + Painting Session Naschmarkt]

Der international renommierte Künstler ROA hat zum ersten Mal in Österreich seine Einzelausstellung in der INOPERAbLE Gallery. Durch das Artist-in-Residence Programm des quartier21 verbrachte der Künstler das letzte Monat in Wien, um die Arbeiten für die Ausstellungen, sowie das geplante Projekt des MQ (Gestaltung des Liftturms in der Street Art Passage Wien) zu kreieren.

Die Vernissage der Ausstellungver „Decomposition“ fand am Freitag statt und war ein voller Erfolg. Viele der Arbeiten waren schon vor der Eröffnung mit dem roten Punkt markiert.

ROAs Arbeiten konzentrieren sich auf die lokale Tierwelt der jeweiligen Stadt. Der Künstler verwendet bereits gebrauchtes Material als zeichnerische Unterlage, welche er aus den örtlichen Flohmärkten, Second-Hand und Antiquitäten Läden entnimmt. Aufgrund der eher sauberen Erscheinung der Stadt Wiens, hat ROA Präparatoren-Ateliers besucht und Giraffen-/Nilpferdschädel für die Ausstellung genommen. Die Arbeiten sind primär schwarz/weiß gehalten. Eine korrekte Anatomie der jeweiligen Tiere spielen für den Künstler ebenfalls eine Rolle.

Während der Ausstellung durfte ich den publikumsscheuen Künstler kennenlernen. Mit seinen tiefen Augenringen, eher introvertier Haltung und in blauem AGE OF THE MAMMALS Shirt sprach er mit mir über seine Zeit in Wien, was ihn inspiriert und welche Projekte in den kommenden Tagen anstehen. Sein nächstes Ziel führt ihn nach Austrialen. Um sein Gesicht zu bewahren, fotografierte ich nur sein Shirt.

Sonntag Nachmittag traf ich ROA nochmals bei seiner Mal-Session am Naschmarkt.

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ARAS KARIMI – ohne Titel

Aras Karimi sieht das Medium der Fotografie als eine Beziehung zwischen Licht und Film: Licht als spielerischer Akteur und Film als seriöser Registrator. Licht ist das Subjekt seiner Arbeiten. Ungleich üblicher fotografischer Prozesse, erstellt der Künstler keine Szenerien, die eine Geschichte offenbaren, sondern zeigt sein Subjekt als den Erzähler selbst. Karimi stellt ihn in subtiler, aber doch gefühlvoller Art und Weise dar.

Alle Fotografien sind ohne Titel. Dadurch erhält der Betrachter die Chance eigene ungebundene visuelle Erlebnisse zu erfahren, während sie mit dem vom Künstler erschaffenen Ausdruck koinzidieren. Die Fotografien sind demnach eine Reflexion einer Vision, einer Emotion des Moments ohne jeglichen rationalen Sinn.

Mehr auf araskarimi.com.

Vernissage SILVER MOON @ . (Galerie Lisa Ruyter)

Silver Moon ist ein Aufbau, ein hypothetisches singuläres Werk beruhend auf Architektur, Film, alltäglichen Objekten und Oberflächen. Der vorgeschlagene Aufbau lässt neue Formen entstehen indem jedes Werk in den Raum des anderen eintritt. Die funktionale und autonome Eigenschaft des Werkes wird hinterfragt.

Mehr auf galerielisaruyter.com und facebook.

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Die Bezugnahme der einzelnen Werke zueinander war spürbar, jedoch nicht klar.
Interessant waren vielmehr die verschiedenen Darstellungsformen (Zeichnungen, Leinwände, raumgreifende Projektionen, sowie ein Film) der Strukturen und darausfolgend ihre Bezugnahme zueinander. Spannend minimalistisch.



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Take me here by the Dishwasher – RAGNAR KJARTANSSON @ BAWAG Contemporary

Die neue Arbeit Take me here by the Dishwasher, die Ragnar Kjartansson für seine erste Soloshow in Österreich konzipiert hat, ist, auch wenn es zunächst nicht so aussieht, eine Art Selbstporträt. Die Empfängnis des Künstlers liegt in einem Nebel aus Realität und Fiktion. In eine Familie von Schauspielern und Theaterleuten geboren, könnte Ragnar Kjartansson auf dem Set von Islands erstem Spielfilm gezeugt worden sein. In Morosaga von Reynir Oddsson spielt seine Mutter, Guorun Asmundsdottir, eine einsame Hausfrau, der Vater, Kjartan Ragnarsson, den Installateur, den sie in ihren Träumen ruft, um den Geschirrspüler zu reparieren. In der Tat fällt Kjartans Conceptio in den Zeitraum, in dem die Liebesszene auf dem Küchenboden gedreht wurde. Der alles entscheidende Moment ist im Filmloop zu sehen und wird von Troubadouren kommentiert. Sie entsprechen dem nordischen Sänger- und Erzählertypus und dingen zur herzzerreißenden Musik von Kjartan Sveinsson folgenden Filmdialog:

Mum (sieht zum Geschirrspüler hin): Here she is.

Dad (mit Kennerblick): Is this her?!

Mum (zweifelnd): Yes, here she is. Do you think she can be fixed?

Dad (derb): Yes, I’m afraid so.

Mum (hingebungsvoll): I’m desperate!

Dad (beruhigend): Don’t you worry. I’ll fix it.

Mum (einladend): Show me what you can.

Dad (zweifelnd): Here?

Mum (herausfordernd): Are you a man? Show me what you can do to me… Take off my clothes! Take me, take me here by the dishwasher.

Den mütterlichen Filmtraum übersetzt Ragnar Kjartansson in verkatertes Männervolk nach durchzechter Nacht. Nun ist der Typus des Kerls an der Gitarre eine Chiffre der globalen Jugendkultur und des rebellischen Aufbegehrens, ein geradezu ikonisches Symbol der Popmythologie. In der Ausstellung geht das Superzeichen eine leicht erschöpfte Verbindung mit Bier und Zigaretten ein. Eine Soundskulptur entsteht, eine Social Sculpture als kaputte Version von Nietzsches immerwährender Wiederkehr des Gleichen. Mantramäßig wiederholen die Barden ihr Lied und binden die Szene in einen endlosen Loop ein, der die Grenzen zwischen Kunst und alltäglischem Leben verwischt.

Komponist des Soundtracks ist Kjartan Sveinsson, Keyboarder der legendären isländischen Postrockband Sigur Ros und Autor großartiger Filmmusik, darunter jener für den oskarnominierten Kurzfilm The Last Farm von Runar Runarsson.

(Quelle: Publikation der Ausstellung, BAWAG Contemporary)

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Ragnar Kjartansson’s „Art Selbstporträt“ ist eine Ode an das Leben. Seine Arbeit ist eine Erhebung zum Status von Künstler, Werk und Publikum. Der Künstler produziert Requisiten für Tableaux Vivants und Rollenspiele, die Teile eines sehr persönlichen Identitätspuzzles sind. In der Ausstellung geht es um den Moment, es ist ein zeitgebundenes Werk, in dem Kunst passiert – Performance, die Kunst des Flüchtigen, der Inszenierungen, der Extreme und der Show.

Der ahnungslose Betrachter betritt den Ausstellungsraum und wird konfrontiert mit Straßengesang geschmückt mit gelb etikettierten Bierflaschen und Zigarettenstummeln. Mehr oder weniger gefangen in seiner Rolle bewegt man sich nun durch den Raum.

Doch nicht. In Wahrheit sucht man sich ein Eck, möchte nicht stören und sich der Situation so außerhalb wie nur möglich klar werden. Performance Situationen brauchen in Ausstellungsräumen eine besonders lange Eingewöhnungszeit. Der Gesang wirkt allerdings sofort auf den Besucher ein, der sich dieser emotionalen Situation nun hingeben muss. Zum Trinken wird man aufgefordert. Rauchen ist erlaubt, Zigaretten stehen zur freien Entnahme. Ein ruhiges Gemüt stellt sich ein, der den einen oder anderen zur Nostalgie aufrufen könnte. Kjartansson wirkt mit seiner Kunst stark auf den Besucher ein, falls dieser sich ihr auch hingibt.

Performance erstreckt sich in die Tiefe der Zeit, ist Kunst mit Handlungsbedarf.

Empfehlenswert für besonders Erlebnisfreudige der Kunst.

Die Ausstellung läuft noch bis zum 26. Juni.

Interview YUN NAM

Yun Nam wurde auf der STROKE04 von der Galerie Rasch ausgestellt. Ich traf sie gerade beim Zeichnen und war begeistert von ihrer Malerei. Hier nun ein Interview mit der jungen, talentierten Künstlerin.

artpjf: Stell dich bitte kurz vor.

Y.N.: Mein Name ist Yun Nam, ich bin 19 Jahre alt und komme aus Südkorea, studiere derzeit in der Kunsthochschule Kassel.

artpjf: Wie definierst du Urban Art?

Y.N.: Urban Art soll das städtische und moderne Leben widerspiegeln; ich finde es hat nicht zwangsläufig etwas mit Kommerziellem zu tun.

artpjf: Bist du auch auf den Straßen tätig?

Y.N.: Nein, ich gehe da eher in Richtung zeitgenössische Kunst.

artpjf: Deine Bilder haben oft ein düsteres und expressives Moment durch die Darstellungen vom offenen Körper oder das schwarze Dripping. Die Smileys scheinen da einfach draufgeklebt zu sein. Was ist die Intention dahinter?

Y.N.: Anfangs hatte ich bloß gefallen daran. Danach als ich auch etwas im Internet rumgewühlt habe, habe ich gesehen, dass viele moderne Künstler Smileys bewusst einbauen. Beim Bild „Das jüngste Gericht“ habe ich auch direkt Ron English zitiert. Die Smileys sollen das gezwingte Lachen darstellen.Gleichzeitig sehe ich es als eine Entindividualisierung der Figuren. Bei meinen früheren Bildern habe ich gar keine deutlichen Gesichter gezeichnet und hier manifestiert sich das in der Form von Smileys. Im Bild „Das jüngste Gericht“ ging es auch darum etwas zeitgenössisches reinzubringen.

artpjf: Wie wichtig ist dir die Kunst der Alten Meister?

Y.N.: Das ist mir mit diesem Projekt der sixtinischen Kapelle sehr wichtig. Was ich schaffe ist allerdings keine Reproduktion, sondern ein Zitat – mein Stil wird unter anderem aufgrund der Smileys erkennbar.

artpjf: Wie lange hast du für „Das jüngste Gericht“ gebraucht?

Y.N.: Ich habe am 1.Februar begonnen, also bin da schon 4 Monate dran. Ein paar Wochen werde ich noch brauchen, um es fertig zu bekommen. Inhaltich ist es komplett, handwerklich fehlen noch ein paar Sachen.

artpjf: Nach welchen Kriterien hast du deine Protagonisten gewählt? – Beispiel Monroe als Maria.

Y.N.: Monroe ist eigentlich das typische Frauenbild oder die Vorstellung einer perfekten Frau in unserem Zeitalter – deswegen hat ja Andy Warhol sie auch gewählt, hier ist auch ein direktes Zitat zu Warhol gegeben.

artpjf: Welche Intention steckt hinter der Rezeption früherer Künstler? Verspürst du nicht den Willen etwas komplett Neues, noch nie Dagewesenes zu schaffen?

Y.N.: Ich denke man kann etwas noch nie Dagewesenes nicht schaffen kann, weil alles schon mal da war. Menschen haben nie etwas Neues geschaffen, sie haben immer zitiert, sei es von der Natur oder ihren Vorgängern. Kreativ zu sein heißt auch das Vorhandene zu nehmen und in einem anderen interessanten Kontext zu bringen.

artpjf: Deine Meinug zur STROKE.ARTFAIR 2011 und was hälst du von Urban Art an sich?

Y.N.: Urban Art interessiert mich an und für sich sehr. In der Kunsthochschule, wo ich studiere, liegt der Schwerpunkt aber doch eher bei konzeptioneller Kunst, was auch mittlerweile der Trend in der zeitgenössischen Kunst ist. Aber hier auf der Messe sieht man noch richtig gutes Handwerk, was, meiner Meinung nach, in den meisten Kunsthochschulen fehlt. Was ich schade finde ist, dass es teilweise stark auf den kommerziellen Geschmack gerichtet ist. Die Intention die dahintersteckt finde ich sehr gut, genauso wie viele der Arbeiten. Wie das Ganze präsentiert wird gefällt mir einerseits weniger. Andererseits müssen Künstler auch Geld verdienen, um von ihrer Arbeit zu leben. Dabei besteht aber immer die Gefahr seine Arbeit bloß dem Geld zu opfern, was finde ich, nicht sein sollte.
Kurz gesagt: Ich denke die STROKE ist für alle Teilnehmer eine sehr gute Erfahrung und Gelegenheit ihre Arbeiten einem breitem Publikum vorzustellen und nebenbei auch etwas zu verdienen.